Klaus Nomi - The Cold Song

Klaus Nomi
Klaus Nomi (1981)

What power art thou, who from below
Hast made me rise, unwillingly and slow
From beds of everlasting snow?

See'st thou not how stiff and wondrous old
Far unfit to bear the bitter cold

I can scarcely move, or draw my breath
I can scarcely move, or draw my breath

Let me, let me, let me, let me freeze again
Let me, let me, freeze again to death

Duración: 4:04


actuación en directo

Klaus Nomi fue un bicho raro que buscaba conjugar sus dos obsesiones musicales, la ópera y el rock. Vamos, igualito que Rob Halford, tsk. En pleno apogeo de la new wave, que daría lugar al nacimiento de un importante foco en tierras alemanas, en lo que se llamaría Neue Deutsche Welle, apareció en el underground neoyorquino este tipo que proponía una síntesis musical que, en apariencia, resultaba risible. Klaus, que ya superaba ampliamente la treintena cuando empezó a meterse más o menos en serio en el mundillo del pop y el rock, empezó a componer algunas canciones propias (como "After the Fall") y a seleccionar sus versiones (como "You Don't Own Me" de Lesley Gore), pero todo con un sentido de la exageración que bordeaba lo cómico.

El caso es que Klaus no quería ser recordado como un mero excéntrico. Obviamente, trataba de pasárselo bien y de disfrutar haciendo lo que hacía, pero su objetivo primordial era demostrar que la música popular y la clásica podían entenderse y darse la mano. Por supuesto, eso ya se hizo antes (o intentó hacerse) a principios y mediados de los 70, con multitud de grupos de rock sinfónico o de prog-rock que, en mitad de alguna de sus larguísimas suites, metían covers de artistas como Wagner o Mahler. Pero en la época en la que Klaus decidió sacar sus temas, tras la aparición del punk y la new wave, la cosa ya se había vuelto más difícil. Y es aquí donde aparece "The Cold Song".

"The Cold Song" es un aria de la semi-opera "El rey Arturo", compuesta por Henry Purcell y cuyo libreto fue escrito por un grande de las letras británicas como John Dryden. El aria consiste en la respuesta del Genio del Frío, espíritu del invierno, a la invocación hecha por el Genio del Aire. Es un momento sobrecogedor pero Klaus le da otra vuelta de tuerca. Al tratarla como pieza individual, y con la ayuda de su fantástica voz, nos da una sensación de fatalismo y pesimismo extremo. Klaus suena como un muerto resucitado, enojado y triste por haber sido llamado y tener que soportar el frío cruel de su morada mortal (no en vano es el jodido espíritu del invierno). La principal diferencia es que aquí la interpretación de Klaus despoja cualquier atisbo de "sobrehumanidad" que el prota del aria pudiera tener. Ahora Klaus suena como un hombre normal y corriente, confuso, aturdido y tiritando por haber sido llamado de entre los muertos por fuerzas ajenas a él.

Sorprendentemente, la fuerza de este tema es independiente del hecho que conozcamos el trágico final de Klaus apenas dos años después, en 1983, por complicaciones relacionadas con el SIDA, tal es la convicción y fuerza (o mejor dicho, ausencia de ella :P), que transmite.

The Church - Myrrh

The Church
Heyday (1986)

Emerald haunt in overdrive
Nightmare descent into Jericho City
Camel dust heralds our arrival
New Christ beneath the drumkit moon

Oh Lord, we are threatened again
In the slipstream pull of the federal men
Plummet in some seamless night
Down here to Earth, it's hopeless then

Apache gunman in the boiling crowd
Who never got to meet you last time
We were interrupted by the telephone
You didn't think they were invented then

Oh Lord, we need miracles
We need more wine and gold
We need slaves and roads and personal favors
We need microphones and manifolds

How can you be so invisible?
Give me the nerves to see
Privilege on privilege
An unwanted discovery

So now we're cruising down this shuddering highway
With a dead sun shining on my back
And we talk about the way people treat us back there
Their hollow laughter, the pain in their eyes

Oh My Lord, I trust your intentions
But money strangles our love
Struggling like a fool with my junk and my jewels
You would have thought I'd had enough

How can you be so invisible?
Give me the nerves to see
Privilege on privilege
An unwanted discovery

Duración: 4:19

De todas las canciones que podía elegir para hacer mi primer post Churchiano "Myrrh" no resaltaba por ser la elección más obvia. No es tan reconocible como "The Unguarded Moment", ni tan famosa como "Under the Milky Way". Tampoco tiene la fuerza post-punk de "When You Were Mine", ni la atmósfera de "Ripple". "Myrrh" es, sencillamente, un tema sutil, ideal para abrir el apetito y tener ganas de más. The Church, cuando estaban inspirados, tenían un don para escoger los inicios perfectos para sus discos, y "Myrrh" cumple sobradamente las expectativas como puerta de entrada al mejor LP de su discografía, "Heyday".

De entrada, "Myrrh" suena a Paisley Underground, a jangle-rock levemente psicodélico. Enseguida nos vemos tentados a hacer asociaciones con los R.E.M. más indies, misteriosos y enigmáticos. Eso sí, con la diferencia de que a Steve Kilbey se le entiende lo que dice, aunque, en lo que respecta a las letras, se ve una semejanza con Stipe en esa obsesión por no mostrarse conciso y directo. Pero la principal diferencia reside en la urgencia típicamente post-punk del tema. "Myrrh" es sutilmente insistente, como unos Dream Syndicate atemperados pero no menos brillantes (las guitarras de Koppes y Willson-Piper demuestran porque son una de las mejores parejas de guitarristas del indie rock de los 80).

Para acabar, llamar la atención sobre el LP mismo y su fantástica cara A. No sólo tenemos la apertura ideal con este "Myrrh", sino que después podemos disfrutar de temazos como "Tristesse", "Already Yesterday" y "Columbus". Para redondear, tenemos "Happy Hunting Ground", un instrumental, sí, pero tremendamente apropiado. En resumen, quizás los mejores (o los más consistentes) 20-30 minutos de rock alternativo ochentero. Lástima que la cara B no esté a tan digna altura, a pesar de "Tantalized" y "Roman". A pesar de todo, puedo asegurar sin miedo a equivocarme que "Heyday" es la obra maestra de The Church y uno de los grandes discos infravalorados de su época.

The Adverts - One Chord Wonders

The Adverts
One Chord Wonders 7" (1977)

I wonder what we'll play for you tonight
Something heavy or something light
Something to set your soul alight
I wonder how we'll answer when you say
"We don't like you, go away
Come back when you've learned to play"

I wonder what we'll do when things go wrong
When we're half-way though our favourite song
We look up and the audience has gone
Will we feel a little bit obscure
Think: "We're not needed here
We must be new wave, they'll like us next year"

The wonders don't care
We don't give a damn

Duración: 2:35

De todos los grupos que surgieron de la primera hornada de punk en Gran Bretaña (entre el 76 y el 77), los Adverts siempre han sido mis favoritos. Obviamente, habiendo grupos como Wire o Buzzcocks, de los que siempre he hablado y hablaré maravillas, esto merece una explicación. Para empezar, Wire en esa época ya estaba a medio camino entre el punk y el post-punk, mientras que los Buzzcocks en cuestión de meses pasarían a desarrollar su lado punk-pop por el que son más conocidos. Luego tenemos a los Sex Pistols, que nunca me transmitieron ni una cuarta parte de lo que los Adverts son capaces, sin negar su obvia importancia histórica y de que tienen temas innegablemente molones. Los Damned son un caso parecido, con la diferencia de que algunos de sus temas post-"Damned Damned Damned" (incluso un par o tres de su época gótico-ochentera) son tan buenos (o hasta mejores) que los de sus inicios.

Una vez aclarado esto, pasemos a la canción. "One Chord Wonders" fue el primer single de los Adverts y su título ya es suficientemente descriptivo. Si queriáis algo de contraste para los dos posts anteriores, aquí tenéis. El tema, como corresponde a algo que se precie de autodenominarse punk y con un título como ese, no ofrece apenas nada musicalmente hablando. Los Adverts son conscientes de sus limitaciones iniciales y las expresan tanto en la música como en la letra. Sorprendentemente, en apenas un año (más o menos), el tiempo que transcurre entre este single y la publicación de su primer LP, veremos al grupo evolucionar hacia un punk que podemos llamar "maduro" (por raro que suene). El sonido de ese primer LP, en 1978, será lo más parecido al sonido punk de los inicios, con el mérito añadido de sonar igual de fresco y original que casi cualquier disco clásico de la new wave o de ese post-punk que empezaba a asomar la cabecita por esas mismas fechas. En "One Chord Wonders" sin embargo, tenemos a cuatro tíos (bueno, vale, tres tíos y una tía) que utilizan sus pocos conocimientos y su mucho entusiasmo para lanzar un single que deja huella. Recogen el testigo de esos grandes maestros del asalto sonoro que fueron los Stooges y, a la manera ramoniana, aumentan la velocidad para darle un punto extra de intensidad que no encontramos en apenas ningún otro single de la época.

La versión elegida es la del single. La que aparece en el LP, "Crossing the Red Sea With the Adverts", no le llega a la suela de los zapatos, aunque contiene (casi) el resto de grandes canciones del grupo. La versión single se encuentra en buena cantidad de recopilatorios (algunos de ellos fantásticos), así que no es nada difícil hacerse con ella. Y para los que se quejan de la inclusión de "One Chord..." en lugar de "Gary Gilmore's Eyes", que no se preocupen, que tarde o temprano tendrá su sitio en este blog. Una de las dos tenía que ser la primera, tsk.

The Paul Butterfield Blues Band - East-West

The Paul Butterfield Blues Band
East-West (1966)

Instrumental :D

Duración: 13:12

Mucho se ha hablado de la importancia de este tema en la evolución del rock y la música popular de finales de los 60 hacia adelante. Hay quienes dicen que de aquí parte ese género, tan vilipendiado posteriormente, que se conoce como fusión. También se argumenta que esto es una piedra de toque para el rock progresivo más avanzado, que nos llevará a la larga al RIO. Y la mayoría, que opina, no sin cierta razón, que todos los grupos americanos (y alguno europeo) que combinaron con más o menos acierto los sonidos tradicionales del folk y el blues con atmósferas jazzísticas y/o influencias exóticas le deben su existencia (o su manera de concebir la música) a éste gran tema. Hablamos, por poner dos ilustres ejemplos, de los Grateful Dead post-"American Beauty" y los Allman Brothers.

El tema se divide en dos grandes partes. Primero, la parte más o menos "East", la oriental. Luego, la parte "West", la occidental. En realidad, son tres secciones, ya que el comienzo es una breve introducción blues-rock. La línea de bajo establece el motivo principal y la guitarra de Elvin Bishop se convierte en protagonista. Tras cederle el testigo a la harmónica de Butterfield se produce el primer climax, con un crescendo instrumental. Esto marca el comienzo propiamente dicho de la sección "East". Ahora es la guitarra de Mike Bloomfield la que destaca por encima de los demás instrumentos, aumentando progresivamente la intensidad, hasta que (de nuevo) la harmónica de Butterfield se le une para empezar el segundo clímax, que da fin a esta sección. La sección "West" vuelve a contar con Bloomfield como actor principal. Su guitarra suena más melódica, pero su destreza no es menos alucinante. Al final, por primera y última vez, ambas guitarras comparten protagonismo, con Elvin y Mike contrapunteando, lo que lleva al tercer y definitivo clímax.

Sin duda, la figura es Mike Bloomfield, compositor del tema, cuyos solos se erigen en protagonistas absolutos del tema. Suyos son la mayoría de los mejores momentos que podemos apreciar. El contraste de su agresividad en la parte final de su improvisación "oriental" con el comienzo de la sección "melódica", en la que llega un punto que su guitarra apenas puede escucharse, es uno de ellos. Aunque también son de nota, por decir, ese minuto mágico a partir, aproximadamente, de 8:40, o el ya mencionado duelo final con Bishop.

Dust - From a Dry Camel

Dust
Dust (1971)

You might think that I'm dreaming a dream
Allow me to say
That it's not as it seems

A maiden of Marion kind
Had too many offers
But not enough time

She speaks so many languages well
And all that she has
She could easily sell

Oh, she tries, oh so hard, to entice
The man that she meets
It's her only device

And then if her body runs dry
Got no reason to fear
There's a camel nearby

Just let it lie down on its side
Get yourself into place
And then go for a ride

It matters not one hump or two
Take care of your machine
In whatever you do

You see, there's no need to explain
If you want it enough
You can solve your own game

And then if her body runs dry
Got no reason to fear
There's a camel nearby

Just let it lie down on its side
Get yourself into place
And then go for a ride

It matters not one hump or two
Take care of your machine
In whatever you do

Well, you see, there's no need to explain
If you want it enough
You can solve your own game

Duración: 9:50

Otro gran tema del hard de comienzos de los setenta, "From a Dry Camel" contiene toda la épica de esos clásicos de la década, una voz con cierto atractivo greglaquiano (para los que gusten de la voz de Greg Lake claro), unas guitarras pesadas e insistentes y un bajo sólido. Es una canción típica de una época en la que, incluso en un género aparentemente tan poco dado a cambios y excentricidades como el hard rock, los grupos buscaban experimentar, aunque sólo fuera en la superficie.

"From a Dry Camel" suena casi a doom progresivo. Bueno, doom edulcorado pero progresivo. No llega a los niveles de Pentagram o Black Sabbath, pero el comienzo y el final de la canción tienen ese toque realmente heavy metal, con esos riffs llorones y ese bajo aguantando ahí debajo, dando la impresión de que estamos escuchando algo más metal de lo que realmente es. Básicamente, la canción no tiene más secretos. Su estructura, con su parte intermedia instrumental, no es novedosa. Lo que sí tiene es una sorprendente capacidad de enganche, con esas guitarras aportando texturas a lo largo de la canción, haciendo que el tema no se quede en un mero ejercicio de "empezamos con algo mitad prog mitad metal, luego instrumental, con algún solo, y acabamos como empezamos". También (aunque es opinión personal) destacar la voz de Richie Wise, convenientemente tratada, pero que suena perfectamente adecuada para un tema como éste y, además, prefigura un tipo de cantante específico para el metal de la siguiente década, el de voz limpia, cuyo mejor exponente sería quizás el gran Midnight de Crimson Glory.

Dust grabó otro disco tras éste, "Hard Attack", en 1972 y ahí acabó todo. ¿Todo? ¡No! Richie Wise co-produjo, junto a Kenny Kerner, los dos primeros LPs de KISS. Kenny Aaronson fue a parar a Stories y Marc Bell, tras pasar por los Voidoids de Richard Hell, se hizo un nombre en la historia como Marky Ramone, de quien por cierto podéis leer una excelente entrevista (as usual) en el site de Mark Prindle. Eso sí, se centran más en su vertiente punk-rock y en su doble singladura con los Ramones.

Love - The Red Telephone

Love
Forever Changes (1967)

Sitting on a hillside
Watching all the people die
I'll feel much better on the other side
I'll thumb a ride

I believe in magic
Why, because it is so quick
I dont need power when I'm hypnotized
Look in my eyes
What are you seeing?
I see...
How do you feel?
...you
I feel real funny when my name is Phil
Or was that Bill?

Life goes on here
Day after day
I don't know if I am living or if I'm
Supposed to be
Sometimes my life is so eerie
And if you think I'm happy
Paint me white/yellow

I've been here once
I've been here twice
I don't know if the third's the fourth or if the...
The fifth's to fix
Sometimes I deal with numbers
And if you wanna count me
Count me out

I dont need the times of day
Anytime with me's OK
I just don't want you using up my time
Cause that's not right

They're locking them up today
They're throwing away the key
I wonder who it'll be tomorrow, you or me?

We're all normal and we want our freedom
Freedom... freedom... freedom... freedom
Freedom... freedom... freedom... freedom

Alla God's chilluns gotta have dere freedom

Duración: 4:45

"The Red Telephone" contiene uno de los comienzos más brillantes que se hayan escrito. Arthur Lee canta "sitting on a hillside, watching all the people die" y ya nos metemos de lleno en un paseo por la mente de un tipo que, según confesó más tarde, compuso sus canciones del clásico "Forever Changes" con la convicción irracional de que iba a morir pronto. El tema, como bien dice su título, trata de la línea directa que tenía el presidente de los Estados Unidos con su homólogo soviético y, obviamente, tiene un regustillo de flower power apocalíptico muy conseguido. En resumen, es la canción de un tipo que, a pesar de creer en todos esos ideales tan cukitos, ve más allá que sus compañeros y atisba, muy a su pesar, un futuro jodido (no para él, porque claro, él estará muerto... mas bien para los demás).

La canción mantiene un ritmo tranquilo y sosegado, con el que Arthur nos lleva de la mano en un paseo con una atmósfera ligeramente enturbiada (no hay más que ver esa letra), dando cierta sensación de calma antes de (o tras) la tempestad. La voz de Arthur lleva el peso de la canción y tras él la instrumentación nunca da una impresión total de firme estabilidad. Mas bien parece orgánica, casi como si los instrumentos y la sección de viento fueran a su aire, al estilo del acompañamiento musical de Van Morrison en "Astral Weeks". Los sutiles cambios de ritmo nos muestran los conflictivos estados de ánimo de Arthur, uno juguetón y otro más sereno. Su actuación vocal refuerza esa idea, llegando a veces a sonar como una mezcla de ambos, sonando alternativamente infantil y deprimente, como un niño jugando en algún prado postapocalíptico.

El final, ese tan famoso de "They're locking them up today..." se diferencia notablemente del resto de la canción. Cantado casi como un mantra, es un coda perfectamente adecuado, ya que actúa como esa pequeña tormenta mental que se anunciaba a lo largo de la canción. Arthur Lee ya no suena tan infantil como antes. Es como si hubiera perdido parte (aunque no toda) la inocencia que le quedaba. Al final, la impresion de ominosidad se ve reforzada por otro pequeño mantra, la repetición de la palabra "freedom", una palabra positiva pero repetida en registros graves, dando a la canción el toque final de esquizofrenia que necesitaba.

Clan of Xymox - A Day (Remix)

Clan of Xymox
A Day 12" (1985)

La letra es de la versión LP, pero vamos...

Where are you?
When I'm needing you
So far away
So far away
I think you're the most important
To me, to me, to me, to me
My sunken footsteps put theirselves on
Through this gallery of deceased
I think their lives must be deceived
Like the sham nowadays

Where are you?
So far away
It makes no sense
It makes no sense at all

Where are you?
Where are you?
Where are you?

Where are you?
So far away
I think you're the most important
To me, to me
My sunken footsteps put theirselves on
Through this gallery of deceased
I think their lives must be deceived
Like the sham nowadays

Where are you?
So far away
I think their lives must be deceived
Like the sham nowadays
Nowadays
Nowadays
Nowadays
Nowadays

It makes no sense at all
So far away
In just one day
In just one day
It makes no sense at all
It makes no sense at all
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day

Duración: 9:11


videoclip

Los 80 fueron una década caracterizada musicalmente por muchas cosas. Una de ellas fue la moda de los remixes. Prácticamente no había canción de éxito que no pasara por el tratamiento del remix, para ser luego incluida en algún maxi. El concepto tuvo tanta aceptación que muchas veces la versión maxi de un tema tenía mejor acogida que la del single. El mejor y más famoso ejemplo lo encontramos con "Blue Monday", de cuya versión single no se acuerda nadie y hay quienes han llegado a decir que nunca existió :O

Los buenos remixes se dividen en dos categorías. Algunos son simplemente versiones extendidas del tema original, añadiéndole partes instrumentales al principio o al final. De esto vimos un ejemplo con B-Movie y su "Nowhere Girl". Otros son remixes auténticos que transforman en mayor o menor medida el original. Sorprendentemente, el remix de "A Day" no entra en ninguna de las dos categorías categóricamente.

El tema no difiere mucho de la versión original, con sus ritmos industriales, sus guitarras afiladas, su bajo prominente, sus teclados tristes y atmosféricos. El secreto del remix es cómo deconstruye el tema y, con los mismos elementos, construye un tema más enfocado hacia el baile y, a la vez, más deprimente y gótico, dándole fuerza extra a la voz y los instrumentos, haciendo de un tema ligeramente anodino en la versión LP una jodida y emocionante obra maestra en versión maxi. Básicamente podemos decir que, muy listos ellos, aplican la fórmula del éxito de New Order. Es decir, llevar sus temas a las pistas de baile manteniendo cierta frescura y originalidad.

The Motors - Airport

The Motors
Airport 7" (1978)

So many destinations, faces going to so many places
Where the weather is much better and the food is so much cheaper
Well I help her with her baggage for her baggage is so heavy
I hear the plane is ready by the gateway to take my love away
And I can't believe that she really wants to leave me
And it's getting me so...
It's getting me so...

Airport
Airport, you've got a smiling face
You took the one I love so far away
Fly her away, fly her away
Airport
Airport, you've got a smiling face
You took my lady to another place
Fly her away, fly her away

The plane is on the move and the traces of the love we had in places
Are turning in my mind, how I wish I'd been much stronger
For the wheels are turning faster as I hear the winds are blowing
And I know that she is leaving on the jet plane way down the runaway
And I can't believe that she really wants to leave me
And it's getting me so...
It's getting me so...

Airport
Airport, you've got a smiling face
You took the one I love so far away
Fly her away, fly her away
Airport
Airport, you've got a smiling face
You took my lady to another place
Fly her away, fly her away

I can't believe that she really wants to leave me
And it's getting me so...
It's getting me so...

Airport
Airport, you've got a smiling face
You took the one I love so far away
Fly her away, fly her away
Airport
Airport, you've got a smiling face
You took my lady to another place
Fly her away, fly her away

Duración: 4:13


actuación en la TV francesa (1978)

Mirad esos caretos de la portada. Miradlos atentamente. ¿A qué parece mentira que estos tipos, con esa pinta de rufianes, sean capaces de sacarse de la manga uno de los clásicos del power pop británico, por no decir nada de sus excelentes voces? Esa cara, amigos, se llama "cara de pub rock", y se diferencia de la cara de un matón de barrio cualquiera en su expresión relajada y amistosa. ¿Véis lo contentos que están? Bueno, menos Andy McMaster que tiene pinta de Robin Williams cuando el guión dice que su personaje debe mostrar tristeza. Oh mierda, me ha venido a la mente "Jack"...

Antes decía que "Airport" es power pop. No sabría bien qué decir. En el fondo lo es, pero con el añadido de una presencia (realmente notable) de teclados, que le dan un aire bastante tristón (más de la norma en algo power pop). Y es que, realmente, esa pinta de balada lacrimógena (de esas setenteras tan típicas) no se la quita nadie.

Los Motors nacieron cuando dos ex miembros de Ducks Deluxe (McMaster y Garvey), uno de los grupos pub rock más famosos (y más hards) de la época, decidieron crear una nueva formación. Tras unos inicios en los que, siguiendo la fórmula de Eddie & the Hot Rods, buscan enlazar el pub rock y otros sonidos más clásicos con el punk rock emergente (como muestra basta escuchar "Dancing the Night Away"), deciden suavizarse progresivamente. A consecuencia de ello tenemos temazos como "Airport" pero, desafortunadamente, esa canción se convirtió en un oasis en un mar de mediocridad, ya que el grupo había perdido esa chispa que les caracterizaba cuando eran tipos duros y sus sonrisas eran producto de la ingesta de cerveza tibia (están locos estos ingleses, por Tutatis).

"Airport" llama la atención por lo cerca que está de traspasar esa línea que separa lo molón de lo ridículo. Esos teclados, por Dios. Pero, oh sorpresa, esos jodidos teclados no sólo son parte intrínseca de la canción, sino que le dan un atractivo innegable. Además la interpretación del resto del grupo ayuda a sostener el tema, con una solidez propia de unos tipos curtidos en la dura vida en la carretera del circuito pub rock, de incontables actuaciones en locales de mala muerte de un montón de localidades a lo largo y ancho de Gran Bretaña. Si a esa experiencia y savoir faire le unimos toques sublimes como esa referencia a "Girl" con esos "tititititit" vocales, tenemos el tema perfecto, una especie de versión inglesa de lo que estaban haciendo por esa misma época Cheap Trick en Estados Unidos, la mezcla de lo puramente pop y lo puramente hard. Con la diferencia de que Cheap Trick fueron más consistentes, tsk.

The Everly Brothers - Take a Message to Mary

The Everly Brothers
Poor Jenny 7" (1959)

These are the words of the frontierlad who lost his love when he turned bad

Take a message to Mary, but don't tell 'er where I am
Take a message to Mary, but don't say I'm in a jam
You can tell her I had to see the world or tell 'er that my ship set sail
You can say she better not wait for me, but don't tell her I'm in jail
Oh, don't tell her I'm in jail

Take a message to Mary, but don't tell 'er what I've done
Please, don't mention the stagecoach and the shot from a careless gun
You can tell her I had to change my plans and cancel out the wedding day
But please, don't mention my lonely cell where I'm gonna pine away
Until my dying day

Take a message to Mary, but don't tell 'er all you know
My heart's achin' for Mary, Lord knows I miss her so
Just tell her I went to Timbuktu, tell her I'm searchin' for gold
You can say she better find someone new to cherish and to hold
Oh, Lord, this cell is cold

Mary, Mary
Oh, Lord, this cell is cold

Duración: 2:26

"Take a Message to Mary" se inscribe en esa bonita tradición de la canción carcelaria, en la que un tipo suele cantar la historia de lo que le ha llevado allí o sobre cómo se lamenta de su situación, e incluso sobre ambas cosas. "Take a Message..." no se adentra del todo en ninguno de los dos terrenos. Da detalles sobre lo que le ha llevado a la cárcel, pero no se explaya. Y tampoco se lamenta tanto de su situación como otros quejicas carcelarios, puesto que se demuestra que su mayor preocupación es la felicidad de Mary :_D

Básicamente podemos asumir que la canción trata sobre cómo el protagonista quiere que su prometida inicie una nueva vida sin él, ya que es consciente de su culpabilidad y de que va a cumplir condena de por vida. Esto no es algo novedoso, claro. Lo intrigante es la forma de introducir ese personaje del mediador, ese que debe contarle toda la pesca a la pobre Mary. Tal y como está concebida la canción, cada uno de nosotros se ve obligado a tomar el papel de "amigo" o "mediador", y al final uno no sabe si estamos dispuestos a cumplir nuestro deber de amigo por la emoción que transmiten los hermanos Everly o si parte de la emoción del tema reside en cómo, sin comerlo ni beberlo, nos vemos convertidos en protagonistas de la historia.

Por supuesto habrá mentes masculinas aviesas y retorcidas que interpretarán que el prometido de Mary, al no especificar "quiero que sea feliz con alguien... que no seas tú", les da vía libre para enrollarse con ella sobre los cuartos traseros de algún jamelgo de camino a Minnesota o Nebraska. ¡Ten tú amigos para ésto!

Nacida de las cabecitas del matrimonio de compositores Felice y Boudleaux Bryant, autores de los primeros clásicos de los Everly, "Take a Message..." está compuesta con una sencillez y economía insultantes, propias de las grandes canciones del pop-rock americano pre-British Invasion. Sin duda, el momento más impresionante (ayudado por la excelente interpretación de los Everly) es ese giro en el que, una vez el narrador le pide a su amigo que le diga que Mary se puede ir buscando a un maromo "to cherish and to hold", suelta ese "Oh, Lord, this cell is cold" que te deja la piel de gallina por su contraste duro y a vez tan poético.

Yamasuki - Abana Bakana

Yamasuki
Le monde fabuleux des Yamasuki (1971)

Encuentra tú la letra, en Kanji a ser posible, y luego la revisas... :I

Duración: 2:45

Alerta, frikada. Aviso de antemano. Bueno, esta joyita es el producto de las mentes de dos franceses que, quizás debido al aburrimiento y/o al consumo de alguna sustancia, tuvieron una conversación más o menos como ésta:

- Oye, esos LP para aprender idiomas molan
- ¿A que sí? Pero les falta algo...
- Sí, son educativos, pero no me hacen mover el esqueleto [N. del T. arcaísmo galo de la época, "mouvoir l'esquelette"]
- ¡Hagamos nosotros lo mismo, con ritmos guatequeros yé-yé!
- ¡Y otros más exóticos!
- ¡Es una gran idea! ¿Qué tal en ruso? Nuestro primer single podría ser "¿Me podría indicar la farmacia más cercana?" con un bonito arreglo acid rock de la melodía principal de Doctor Zhivago.
- Pero eso es de Maurice Jarre, ¿no?
- Pero suena a ruso.
- ¿Y por qué no en japonés? Conozco a un profesor de judo de un gimnasio de mi barrio. Oriundo de Tokio, ni más ni menos.
- ¿Pero sabe cantar?
- No, pero es cinturón negro y sus movimientos quedan chachis como coreografías.
- ¿Qué más nos hace falta? Hmmm... ¿Qué tal un grupo de niñatos cantando y haciendo coreografías?
- Tú sí qué sabes... Un momento... Tendrán que ser japoneses, ¿no?
- Si encontramos suficientes niños japoneses que vivan por aquí, por Francia, y cuyos padres les dejen meterse en este tinglado sin hacerse el seppuku...
- Si no, rellenamos con algunos niños de aquí con los ojos un poco rasgados y que sepan decir "Yamamoto".
- Bueno, venga, llama a las discográficas...

Feliz o lamentablemente, el resultado de esta conversación se acerca bastante a la realidad. Yamasuki (también conocidos como Yamasuki Singers) fueron un pequeño fenómeno de masas en Francia a principios de los 70, con sus coreografías inspiradas en las artes marciales, lideradas por un supuesto cinturón negro de judo auténtico, cuya voz imponente contrastaba con la de los niños que le acompañaban, de quienes se decía (según rumores aviesos y malintencionados) que no eran realmente japoneses de verdad.

"Abana Bakana" es sólo una muestra de lo que eran capaces. Canciones sencillas pero diversas, tocando géneros como el rock o el funk y añadiéndole toques pseudo-orientales, pero sin pretensión de originalidad. "Abana Bakana" es un tema concebido, al igual que los demás temas de los Yamasuki, para la diversión y el cachondeo, dando irónicamente cierta sensación de tristeza y melancolía a través de la energía de su fuzz guitar y de unos niños que transmiten que se lo están pasando en grande grabando esta canción.

Tones on Tail - Twist

Tones on Tail
Christian Says 12" (1984)

As tomorrow's man and a topless bee
Jump over your head, remember me
Don't get confused by a dying sky and sea

The Panda Club has an odds on bet
Mr. Music Man needs a string quartet
On the planet where the alphabet starts with z

Energy and confidence
Buzz high in your consciousness
Don't get confused by an early morning rain

Cause the Panda Club has an odds on bet
Mr. Music Man needs a string quartet
On the planet where the alphabet starts with z

Man and moon plays a melody
That you can't forget, so remember me
Twist with tomorrow's man and me

Man and moon plays a melody
That you can't forget, so remember me
Twist with tomorrow's man and me
Twist with tomorrow's man and me
Twist with tomorrow's man and me

Duración: 5:04

Tones on Tail apenas duraron un par de años aproximadamente pero dejaron una cantidad de buenas (e incluso excelentes) canciones en ese período de tiempo que ya quisieran otros grupos más longevos. "Twist" fue casi su último aliento, ya que fue la cara B del último single que editaron, antes de que Daniel Ash se decidiera definitivamente a emprender la aventura Love and Rockets. No deja de ser curioso que este tema fuera, de todos los publicados por Tones on Tail, el favorito de Daniel.

Según Daniel, "Twist" encapsulaba perfectamente la visión que él tenía de la música que debían hacer, una especie de psicodelia moderna, adaptada a los nuevos tiempos ochenteros. Realmente, hay más que eso. Obviamente eso que dice el amigo Daniel de la psicodelia se nota. En parte por esos efectos sonoros diseminados con muy buen gusto, sin recargar, dándole un toque extra de atmósfera (esa producción, tan bien llevada), pero sobre todo por las partes en las que la guitarra toma el papel predominante. Esas partes recuerdan en cierto modo a los Chocolate Watchband y otros grupos de su época en su vertiente más ácida, pero nunca dan la sensación de ser meros ejercicios de nostalgia o revival.

También podemos hablar de ese toque de surf guitar que le da al conjunto un toque retro que combina perfectamente con el ambiente de psicodelia oscura y futurista del tema, todo ayudado por el tono y la cadencia de la voz de Daniel. Con todos estos elementos "Twist" consigue evocar imágenes de una época lejana pero alternativa, unos años 30 o 40 de un planeta lejano, o de un futuro bladerunneriano de cine negro. Para acabar, recomendar haceros con "Everything" que, como su nombre indica, recopila todos los temas cukitos de Tones on Tail en dos CDs.

Sodom - Sodomy and Lust

Sodom
Expurse of Sodomy 12" (1987)

Behind the scenes of destiny
I adore you in this song for me
Call me within your holy house to dwell
Let me raise for myself in spell
Voluptuously dancing daughters of the night sky
Sing the rapturous love song with sighs
Let your sweet scented juice run
Waste away under the lashes of my whip

Bath in sin
Sadistic souls
Break their crust
Sodomy and lust

Carnal desire runs through my veins
Whipping boys and scapegoats cry in pain
Psychopathic terror during their sleep
My power asks why, my power is weak
Spineless bundles of my excess
Expurse of innocence and helplessness
In the perfumes of my secret orison
Fresh blood of children drops down on me

Bath in sin
Sadistic souls
Break their crust
Sodomy and lust

Madness, crime, disgrace, ptomaine
Excrements, contempt, violence, kill

Ordeals of a thousand deads concealed in gloom
Strike hard and deep, to hell with them master
Mighty prophet's stature shall surpass the stars
The passion is the smell of cremation
I spit on your crapulous creed, curse them!
Sucking your giveth delight and bright glory
Strive ever to be more joyous to death
Don't fear any God will deny you for this

Bath in sin
Sadistic souls
Break their crust
Sodomy and lust

Duración: 5:13


actuación en directo

Uno de los tres grandes del thrash teutón, junto a Kreator y Destruction, Sodom se caracterizan por una marcada influencia del punk, filtrada a través de la NWOBHM y grupos como Venom o Motörhead. Así, su sonido en su mejor época (a finales de los 80, antes de que Frank Blackfire se fuera a Kreator) es casi como el de unos Motörhead que se hubieran decidido a subir un par de escalones el elemento metal de su música.

"Sodomy and Lust" es considerado por muchos como el tema indispensable de Sodom, y no sin razón. A primera vista, parece contener más fuerza bruta que el resto de primeros clásicos del grupo, mientras no deja de ser una composición extrañamente controlada. Da la impresión de ser una bestia musical con riendas que los tres miembros del grupo logran dominar con facilidad sin que se les vaya de las manos. La guitarra de Frank Blackfire es un elemento clave, sonando como ese punto intermedio entre el thrash y el incipiente death metal y anticipándose por poco al sonido de los Sepultura de "Beneath the Remains" o "Arise". Por su parte, la batería de Witchhunter suena especialmente característica y es, sin duda, una de las cosas que más destacan de la canción. Posiblemente uno de los mejores baterías de toda la escena metal de los 80, Witchhunter toca con la sencillez necesaria para llevar adelante el tema con precisión añadiéndole toques distintivos y, sobre todo, un sentido del ritmo envidiable.

Sodom, mal que me pese, no siempre son tan perfectos como aquí. Adolecen del síndrome Motörhead, incluso en su época clásica. Son capaces de soltar clásicos uno detrás de otro, pero siempre parece que se repiten. Ya sabéis, eso de:

"Joder, como mola lo nuevo de Motörhead"
"Como siempre"
"Pero me recuerda a [include name of any former Motörhead song of their classic era]"
"Pero mola, ¿no?"
"Yeah, qué coño"

Por tanto discos clásicos como "Persecution Mania" se ven afectados por una especie de falta de variedad que impide disfrutar del disco igual que si escucháramos sus excelentes temas (bueno, no todos, eh) por separado. Hablando de "Persecution Mania", "Sodomy and Lust" y el resto del EP "Expurse of Sodomy" se incluyen como bonus tracks de la edición en CD del disco, así que es la manera más sencilla de hacerse con este temita tan bonito y de paso con un disco excelente (a pesar de la crítica que le he hecho).

Alphaville - De máscaras y enigmas

Alphaville
El desprecio 12" (1984)

Nadie pudo ver su auténtico rostro
Nadie logró conocer su verdadera obsesión
Siempre tuvo puesta una última máscara
Que mantuviera la duda hasta el momento final

Nunca derramó una sola lágrima
Jamás dejó translucir la más mínima emoción
Era el guardián del último enigma
Nadie supo quién había bajo ese disfraz

De máscaras y enigmas

Un extraño vacío en el lugar de los ojos
Sin luz, sin brillo, sin vida, sin ninguna expresión
Unos labios de mármol, unas manos inertes
Su cuerpo gris parecía apenas real

Se esfumó una noche, se perdió en el silencio
Alguien llegó a decir que todo fue una ilusión
Pero no pudo explicar por qué, cada aniversario
Ante la luna las nubes dibujan un antifaz

De máscaras y enigmas

Duración: 4:14


videoclip

No, no son los Alphaville de "Forever Young". Estos son los Alphaville patrios. Los de la Nueva Ola. Los madrileños. Los raritos. Tan raritos que tocan temas influenciados por la lectura de filósofos existencialistas, de Nietzsche o de Lovecraft. "De máscaras y enigmas" es uno de sus trabajos más comerciales (no en vano salió como cara A de un maxi y tuvo clip emitido en "La bola de cristal"), pero mantiene esa esencia de "nosotros somos diferentes al resto" que les caracterizaba.

De hecho, si algo se les podía achacar a Alphaville (o más bien a su líder, José Luis Abel), era que, de tanto querer ser diferentes daban cierto tufo a pretenciosidad. Y es que, seamos sinceros, no sólo parecían presuntuosos, sino que daba la impresión de que querían serlo, de que necesitaban hacer un poco de contrapeso a la Movida oficial, la que se dictaba por la música festiva y los colores chillones. "De máscaras y enigmas" atempera esas tendencias, pero sólo lo justo para demostrar que siguen siendo capaces de ofrecer temas de calidad y que, de no haber caído el grupo fruto de las desavenencias, podrían haber llegado a ser uno de los principales referentes musicales de la música española actual (al menos en la escena indie).

El tema destaca ante todo por ese sonido post-punk importado de sus influencias inglesas. Hace pensar, sobre todo, en unos Psychedelic Furs que se hubieran vuelto obsesivos con la trilogía de Berlín de Bowie y en sus trabajos con Eno y Fripp. Sea como sea, estaba claro, incluso con breves acercamientos a lo supuestamente comercial como este tema, que Alphaville fue uno de los grandes (pero no suficientemente valorados) grupos de su época.

The Jam - Down in the Tube Station at Midnight

The Jam
All Mod Cons (1978)

The distant echo
Of faraway voices boarding faraway trains
To take them home to
The ones that they love and who love them forever
The glazed, dirty steps
Repeat my own and reflect my thoughts
Cold and uninviting, partially naked
Except for toffee wrappers and this morning's paper
Mr. Jones got run down
Headlines of death and sorrow
They tell of tomorrow
Madmen on the rampage
And I'm down in the tube station at midnight

I fumble for change
And pull out the Queen
Smiling, beguiling
I put in the money and pull out a plum
Behind me
Whispers in the shadows
Gruff blazing voices
Hating, waiting
"Hey boy", they shout
"Have you got any money?"
And I said
"I've a little money and a take away curry
I'm on my way home to my wife
She'll be lining up the cutlery
You know she's expecting me
Polishing the glasses and pulling out the cork"
And I'm down in the tube station at midnight

I first felt a fist, and then a kick
I could now smell their breath
They smelt of pubs and wormwood scrubs
And too many right wing meetings
My life swam around me
It took a look and drowned me in its own existence
The smell of brown leather
It blended in with the weather
It filled my eyes, ears, nose and mouth
It blocked all my senses
Couldn't see, hear, speak any longer
And I'm down in the tube station at midnight
I said I was down in the tube station at midnight

The last thing that I saw
As I lay there on the floor
Was "Jesus saves" painted by an atheist nutter
And a British Rail poster read
"Have an awayday - a cheap holiday - do it today!"
I glanced back on my life
And thought about my wife
Cause they took the keys
And she'll think it's me
And I'm down in the tube station at midnight
The wine will be flat and the curry's gone cold
I'm down in the tube station at midnight
Don't want to go down in a tube station at midnight

Duración: 4:42


Top of the Pops (1978)
actuación en directo

No es casualidad que parte del atractivo que para mí encierran todos esos grandes artistas y grupos de finales de los 70 se encuentra en sus letras. El ejemplo más claro sería Costello. Pero las letras de Devoto para Magazine siempre me parecieron ideales de la muerte. O las de los Buzzcocks, con sus rabietas adolescentes sorprendentemente bien pensadas. O las viñetas costumbristas de Squeeze. Joder, a lo que iba, que incluso los mejores temas de los Adverts parecían tener más chicha en ese aspecto que The Jam.

Y no digo que Paul Weller no sepa escribir, Dios me libre. Sólo que con The Jam conecto más musicalmente que otra cosa. Las letras no me dicen mucho. Excepto en contadas ocasiones, como aquí. "Down in the Tube Station..." está a la altura de las mejores letras que he podido escuchar, no sólo de esa época, sino del pop-rock en general. Pero no sólo de letras vive el hipotecado, así que Paul Weller construye un pequeño trozo de épica pop con los elementos justos y necesarios. Su guitarra suena convenientemente punk con esos trazos sesenteros que tanto le molan. El bajo de Foxton lleva el peso melódico y demuestra ser uno de los grandes de su instrumento (en una época en la que surgieron excelentes bajistas, como Barry Adamson o Bruce Thomas). Y la batería de Buckler, el arma secreta de The Jam, sutil pero imponente en su dominio del ritmo. Pero vamos, estos elogios no son casualidad, ya que posiblemente tengamos aquí la mejor sección rítmica del punk rock post Pistols (en su vertiente más o menos comercial, PIL están en otra liga), en dura pugna con Bruce y Pete Thomas de los Attractions de Costello.

No podemos olvidar la voz de Weller, acelerada, tensa y llena de rabia en esos momentos finales de una canción mayúscula. Algo tan brillante como esa parte final ("The last thing that I saw as I lay there on the floor was "Jesus saves" painted by an atheist nutter..."), en la que el protagonista de la canción pierde el conocimiento mientras piensa en el destino de su pobre mujercita, es para aplaudir. Para acabar, recomendar escuchar la copla en su versión completa, la del LP, con sus efectos sonoros redondeando un tema perfecto. Escuchando la versión single siempre da la impresión de que le falta algo.

T2 - No More White Horses

T2
It'll All Work Out in Boomland (1970)

arfs, otra vez no encuentro lyrics... :(

Duración: 8:32

Obra maestra del hard rock progresivo, el único LP que editaron T2 mezclaba a la perfección los sonidos más cool de esa época de cambio de década y, sin embargo, apenas tuvo repercusión. El mejor tema del disco, "No More White Horses", alterna varias sonoridades y estilos que se complementan perfectamente entre sí a lo largo de sus más de ocho minutos de duración.

La guitarra de Keith Cross (un joven prodigio menor de edad cuando se grabó el disco) se deja notar por su calidad y por su facilidad para tocar con igual eficacia tanto hard psych como proto doom sabbathiano o lo que se le ocurra. Los cambios de ritmo, a veces sorprendentemente abruptos pero acertados, permiten incorporar estilos dentro de otros, como cuando la canción toma aspecto de balada progresiva pero comparte espacio con duros riffs de guitarra. Esto se nota con la aparición del piano tocando gentilmente la melodía principal, mientras detrás tenemos la guitarra de Keith Cross preparándose poco a poco para la parte final, la más metal del tema, en la que esos riffs doom, constantes y pesados, toman el control definitivo.

Quizás el secreto de lo que hace de este disco una obra maestra a descubrir es como recoge influencias para reunirlas sin sonar como una copia de otros grupos, o como un amalgama sin sentido. T2 son coherentes y además suenan muy bien, sobre todo con esa fantástica guitarra de Cross.

Unrest - Imperial

Unrest
Imperial f.f.r.r. (1992)

No encuentro la jodida letra, argh!

Duración: 7:50

De esa época en la que descubrí el fascinante mundo del indie rock hay un puñado de grupos que me atrayeron por aquel entonces y siguen atrayéndome a día de hoy, o cuando me da por redescubrirlos. Por ejemplo, Unrest. Unrest, por aquel entonces, estaban lejos de ser uno de mis grupos favoritos, ni siquiera entre lo indie, pero un buen número de temas de su discografía con Bridget Cross entraron en mi cabecita con sus irresistibles melodías y su juvenil entusiasmo. Desde entonces, cuando la nostalgia me da por recuperar aquellos pequeños clásicos, nunca me siento defraudado, y menos con discos tan redondos (joder, claro, si no, no se podrían meter en el reproductor...) como "Imperial f.f.r.r." o "Perfect Teeth" o el EP "Isabel Bishop" (aunque estos dos no llegan a la altura de "Imperial...")

"Imperial f.f.r.r." marca, si no me equivoco, el debut de Bridget Cross en el bajo. Y vaya si su presencia se nota. Con ella, Unrest coge esa obsesión por el amateurismo y la experimentación que ya estaba presente para focalizarla en un pop fresco e incomparable. Podemos establecer comparaciones con Yo La Tengo en algunos de sus momentos más soft, pero poco más. En realidad, el sonido que Unrest desarrolla para este disco se mueve a medio camino del pop británico tan querido por Mark Robinson y el post-punk más underground. Unas veces más cerca de lo primero, otras de lo segundo. Por ejemplo, "Imperial", el temazo elegido en este post, es dream pop minimalista, casi como influenciado por los Young Marble Giants.

Paradójicamente, he cogido "Imperial" no sólo por molar mucho sino por representar mejor el sonido Unrest que cualquiera de sus canciones más pop, como "Suki", "Make Out Club" o "I Do Believe You Are Blushing". Aquí el elemento pop permanece, pero reducido a sus mínimos elementos. Así, da la impresión de que Unrest ha cogido una canción pop de toda la vida, con su duración normal de dos o tres minutos, para partirla en varios trocitos y construir otra canción más larga, diseminando esos trocitos a lo largo. Luego, como son muy cool, y como bonus, añaden ese efecto sonoro de copas de vino al final, que queda tan cukito.

Angel Witch - White Witch

Angel Witch
Angel Witch (1980)

In the middle of last night she went out to get her revenge
On the black witches that tried to kill her
They tried to sacrifice and burn her soul in flames
Some unknown force came and freed her

Burn the white witch
Burn the white witch

Death bears a sickly smile, will the fools ever learn?
They still smile when their own death is near
She has got more power than you will ever know
They tried to harm her, but it's too late

Burn the white witch
Burn the white witch

Standing by your shadow
Your eyes are full of tears
You cannot seem to unwind yourself
You have killed death and fear

Forever and ever we are free
Together forever, for eternity

She died early this morning from the spells of the dead
Death had its own way and won
Now she can rest in peace and sleep inside her grave
She cannot be harmed anymore

Burn the white witch
Burn the white witch

Duración: 4:45


actuación en directo (2009)

Bueno, ahora toca un poco de diversión metal y pseudo-satanista de andar por casa. Angel Witch fueron, sorprendentemente, uno de los grupos más infravalorados de la primera ola de la NWOBHM. Afortunadamente el paso del tiempo ha puesto las cosas en su sitio y el nombre del grupo siempre sale mencionado en las discusiones sobre esa gran época del metal, al igual que su LP homónimo está considerado una de las piezas cumbres del sonido NWOBHM.

Usando una formación de power trio, más típica del hard rock que del metal, Angel Witch recoge el testigo de Black Sabbath y Judas Priest, las dos influencias a partir de las cuales la mayoría de grupos de la NWOBHM construyeron su propia identidad y sonido), y construye el que es quizás el disco clave para definir ese género musical, junto al LP de Diamond Head. Los primeros trabajos de los Maiden con DiAnno tienen una descarada influencia punk rock. Def Leppard, incluso en sus inicios, se muestran más hard rock que metal. Motörhead está a medio camino de todos los géneros considerados extremos, encontrando su propio camino con gran éxito. Otros encuentran demasiado gusto en lo progresivo. Incluso Diamond Head, los hijos pródigos de tan adelantados que estaban, suenan más a thrash, a metal de los 80, que a esa época concreta.

Así, los temas de Angel Witch quizás no tengan la transcendencia histórica de otros, pero suenan a clásicos de todas todas y, en cierto modo, tuvieron su propia influencia sobre el sonido del metal del futuro. "White Witch", por poner un ejemplo, suena fresco incluso ahora. Su música nos retrae a una época concreta en la que el metal buscaba la sencillez, conectar con el público, pero a la vez quería hacerlo crecer, evolucionar. Su letra, como las del resto del LP, evoca esa época en la que se podía cantar sobre temas ocultos con desparpajo y alegría sin parecer idiota... Bueno, quizás sí, pero eso tampoco importa tanto :I

Malicorne - La blanche biche

Malicorne
Malicorne (1977)

M'envoient jeter de l'eau dans le chemin des fées
Ils m'ont donné un don qui m'a toujours resté
Je suis fille le jour et la nuit blanche biche
Tous les jours les gens du château me poursuivent

La chasse est après moi et les barons et les princes
Et mon frère Renaud qui est encore bien pire
Allez ma mère, allez bien promptement lui dire
Dites-lui de rappeler ses chiens, je vous prie

Où sont tes chiens, Renaud, et ta chasse gentille?
Ils sont dedans les bois qui cour la blanche biche
Arrête-les, Renaud, arrête, je t'en prie
Par trois fois son cor a sonné, la blanche biche est prise

Mais quand le dépouilleur va dépouiller la biche
Elle a les cheveux blonds et le sein d'une fille
A pris son grand couteau, en quartiers il l'a mise
Dans un plat d'or et d'argent l'ont servie

Nous voici tous ici, où est ma soeur gentille?
Vous n'avez qu'à souper, suis la première assise
Ma tête est dans le plat et mon coeur aux chevilles
Et dessus vos noirs charbons, mes os grillent

Duración: 6:29

"La blanche biche" es una (relativamente) famosa canción popular bretona que trata la historia de una jovenzuela sobre la que cae un sortilegio: de noche se transforma, sin ella desearlo, en una magnífica cervatilla de color blanco. El problema surge cuando su hermano sale en partida de caza en busca de la codiciada presa... La canción tiene ese regusto de los cuentos clásicos sin edulcorar, con su crueldad poética y ciertas insinuaciones apenas veladas al incesto.

La versión de Malicorne respeta el espíritu medieval del tema (algo que no se puede decir de otras versiones que he escuchado, aparentemente más famosas, pero que suenan casi a new age...), buscando además una sonoridad distintiva. Así, tenemos una muestra de folk progresivo perfecto, en la que se evocan tanto el mundo fantástico, pero cruel, de la canción popular, como una cierta atemporalidad, que hace que nos suene extrañamente viejuno y futurista a la vez.

Esto se debe fundamentalmente a que "La blanche biche" es una creación de estudio. Usando loops de cinta magnética de instrumentos antiguos sincronizados en vivo, y con esa incorporación progresiva de los coros en un registro desafiantemente más grave del de la voz principal de Marie Yacoub, se crea una atmósfera inquietante pero que hace de la escucha de esta canción una experiencia adictiva.

He puesto el título original del disco, que resulta ser el tercer disco homónimo del grupo. Normalmente (en la línea de Led Zep), se le conoce como "Malicorne 4" (o IV), o incluso como "Nous sommes chanteurs de sornettes", según el tema que da inicio al disco.