That cat's something I can't explain

Big Star - Thirteen

2009-09-03T15:08:00.007+01:00

Big Star
#1 Record (1972)

Won't you let me walk you home from school?
Won't you let me meet you at the pool?
Maybe Friday I can
Get tickets for the dance
And I'll take you

Won't you tell your dad "Get off my back"?
Tell him what we said 'bout "Paint It Black"
Rock 'n roll is here to stay
Come inside where it's okay
And I'll shake you

Won't you tell me what you're thinking of?
Would you be an outlaw for my love?
If it's so, well, let me know
If it's no, well, I can go
I won't make you

Duración: 2:34

"Thirteen" es, quizás, la cima indiscutible de las baladas indie antes de que existiera el indie. Estamos ante una obra maestra del pop, de las que parecen hechas con esa sencillez insultante que haría que Macca se revolviera en su tumba de pura envid...

Ah, pero ¿cómo? ¿Que ese fue Lennon? Vaya...

En cualquier caso no mentimos al afirmar que éste es un gran tema, con esa indiscutible marca que distingue a los temazos, que es la particularidad de sonar como un jodido clásico y como algo adelantado a su tiempo.

El aspecto clásico del tema queda claramente definido por su instrumentación acústica, su temática de amor adolescente y sus menciones a bailes de instituto y a los Stones y, sobre todo, por esa concisión pop heredera de la mejor tradición McCartneyiana. Básicamente, se podría decir que se trata de la típica balada melancólica setentera y cukita, mezclada con la parte pop del power pop más habitual de Big Star.

Pero donde encontramos los elementos más interesantes es en esos momentos en los que la canción se acerca sorprendentemente a una especie de dream pop rústico del medio-oeste. El sonido cristalino del puente, la sensación de tensión y velocidad crecientes en esas guitarras al final de la canción, esas backing vocals etéreas. Todos esos detalles confluyen para hacer aún más grande un tema que ya era perfecto de por sí.

Cabe destacar que muchos artistas de mayor o menor credibilidad indie o pseudo-indie han hecho versiones de este tema, entre ellos Garbage, Wilco o Evan Dando, pero fue Yo La Tengo quien quizás hizo el mejor homenaje posible a esta canción al componer las dos versiones de "Big Day Coming" que aparecen en su "Painful". Y para acabar, podréis encontrar este precioso tema y otras genialidades bigstarianas en un CD que recoge los dos primeros LPs del grupo, tanto "#1 Record" como "Radio City".

La Dama Se Esconde - Amenazas

2009-09-02T18:37:00.009+01:00

La Dama Se Esconde
Armarios y camas (1986)

Despertad alegres, mis amigos, olvidad
Los ruidos que hay
Que la noche se está yendo y el día vendrá
Si os dais prisa encontraréis el desayuno, ya
Servido está
Ahora bien, si no llegáis
Agua de lluvia habrá

Si me amenazas prometo escaparme
Yo no volvería a hablar
Son tus palabras puñales que abrirán
Algo muy dentro de mí

Escuchadme: siempre recto hay que caminar
Una orden es
Dos las filas, adelante, y nada de hablar
Voy andando y las baldosas cuento sin parar
Hoy no gritarás
De rodillas, mi castigo
Deja de llorar por ti

Si me amenazas prometo escaparme
Yo no volvería a hablar
Son tus palabras puñales que abrirán
Algo muy dentro de mí

Despertad alegres amigos
Olvidad los ruidos nocturnos
Si tardáis, ya comeréis
Verde pasto y agua de lluvia

Si me amenazas prometo escaparme
Yo no volvería a hablar

Amenazas

Duración: 3:39

"Armarios y camas" tiene la distinción de ser uno de los discos que cambió radicalmente mi punto de vista acerca de la escena musical española en los 80. Ahora, en vez de pensar "puaj", pienso "pse pse". Eh, no está mal, ¿verdad? Con canciones de grupos como La Dama, La Mode, Alphaville, Zombies, Esclarecidos, Os Resentidos y otros muchos aprendí que había cosas dignas y cukitas antes de Family o Le Mans.

"Amenazas" es el tema perfecto para introducirnos en un LP sencillo pero adictivo, de pop sin complejos, que trata fundamentalmente el tema de la infancia. Básicamente es una importación de lo que grupos como China Crisis o (fundamentalmente) Tears for Fears hacían hace años en Gran Bretaña, con la diferencia de que Nacho Goberna no opta por el sonido grandilocuente de "Songs from the Big Chair", sino por suavizar todavía más (con grandes dosis de guitarra acústica) el sonido de "The Hurting", que trataba temas similares a los de este disco.

Otro punto de contacto, evidente en temas como este "Amenazas", es la influencia de The Cure, que ya resultaba obvia en el anterior proyecto de Goberna y Valencia, Agrimensor K. Aquí, sin apenas esfuerzo aparente, consiguen imitar ese estilo ambivalente, oscilando entre lo juguetón y lo melancólico y oscuro, del mejor Robert Smith cuando se decidía a hacer música pop de verdad.

La versión incluida es la del LP, aunque la del single también merece la pena. En todo caso, escojo la versión del disco porque merece la pena escucharlo, aunque sólo sea una vez. Lástima que el grupo perdiera el norte y Nacho Goberna pasara de ser una copia de Richard Butler con ínfulas de Robert Smith (una mezcla cukita) a una especie de imitador de Perry Farrell haciéndose pasar por Boy George (eso ya no es tan cukito...).

Therion - Clavicula Nox

2009-09-01T17:15:00.009+01:00

Therion
Vovin (1998)

Dark horizons come close to me
And magic will be my key

I will travel through the gate
To be the finder of my fate

Nox, the night and key
I will open your old mystery

Key of night, open up!

Deep abysses I sink into
And behind the light I go

My long journey never ends
But I will receive what I send

Nox, the night and key
I will open your old mystery

Key of night, open up!

Duración: 8:47

"Clavicula Nox" es, posiblemente, el último gran tema salido de la mente de Christofer Johnsson. Por supuesto, habrá quien diga que son precisamente sus últimos discos, o al menos de "Secret of the Runes" hasta "Lemuria" y "Sirius B", los que le establecen como una de las grandes figuras del metal escandinavo, al nivel de Ihsahn, Varg Vikernes, Mikael Akerfeldt o Messiah Marcolin, por citar algunos. No les quitaré razón, ya que en cierto modo son excelentes discos, pero desde un punto de vista puramente formal. Es decir, no me veo capaz de establecer conexión emocional con "Lemuria" o con "Sirius B". Cuando me pilla de buenas puedo admitir la idea tras el concepto, las intenciones de Johnsson, y me digo "Bueno, podría haber sido peor". Cuando me pilla de malas pienso "Oh, Dios, es Manowar con ínfulas filosóficas". Y todos sabemos lo horrendo que puede ser algo ideado para la diversión y el regocijo cuando se vuelve serio y meditabundo. Pensad en "Havana Affair" cantada por Leonard Cohen y os haréis una funesta idea.

"Clavicula Nox" pertenece al cénit creativo del amigo Johnsson, junto con los mejores temas de "Theli", y la totalidad de "Secret of the Runes" (si se piensa en él como una entidad individual, no como temas aislados). Demuestra, entre otras cosas, su talento para idear canciones lentas y melancólicas con apoyo orquestal (talento que ya demostraría componiendo un temazo como "The Siren of the Woods"). El tema sorprende porque consigue ser sutil y evocador usando elementos que, en otras manos, podían haber llevado la canción a territorio "Metallica meets Michael Kamen". Johnsson controla sus impulsos y usa las partes más metal del tema con propiedad, sin exageraciones. Lo mismo se puede decir de los arreglos orquestales. Lo que Johnsson no quiere es romper la canción en dos partes claramente diferenciadas, la parte nocturna y melancólica de voces femeninas y la parte instrumental con guitarras metálicas y orquesta. Su idea es mantener una progresión en la que se perciba ese tono nocturno y misterioso a lo largo de todo el tema.

Volviendo a la historia de Therion, a decir verdad, lo último que he podido escuchar de ellos decepciona, porque cuando sacaron "Secret of the Runes" parecía que habían encontrado un nicho propio con el que explorar la senda abierta a partir de "Theli", conservando al mismo tiempo la energía y la fuerza y las ganas de experimentación y de no dormirse en los laureles. Sólo les hacía falta un ligero pulido. La lástima es que las musas de Christofer le han llevado por derroteros que no eran los esperados (para mí al menos, que seguro que sus fans estarán felices y contentos).

Klaus Nomi - The Cold Song

2009-08-31T19:33:00.007+01:00

Klaus Nomi
Klaus Nomi (1981)

What power art thou, who from below
Hast made me rise, unwillingly and slow
From beds of everlasting snow?

See'st thou not how stiff and wondrous old
Far unfit to bear the bitter cold

I can scarcely move, or draw my breath
I can scarcely move, or draw my breath

Let me, let me, let me, let me freeze again
Let me, let me, freeze again to death

Duración: 4:04

actuación en directo

Klaus Nomi fue un bicho raro que buscaba conjugar sus dos obsesiones musicales, la ópera y el rock. Vamos, igualito que Rob Halford, tsk. En pleno apogeo de la new wave, que daría lugar al nacimiento de un importante foco en tierras alemanas, en lo que se llamaría Neue Deutsche Welle, apareció en el underground neoyorquino este tipo que proponía una síntesis musical que, en apariencia, resultaba risible. Klaus, que ya superaba ampliamente la treintena cuando empezó a meterse más o menos en serio en el mundillo del pop y el rock, empezó a componer algunas canciones propias (como "After the Fall") y a seleccionar sus versiones (como "You Don't Own Me" de Lesley Gore), pero todo con un sentido de la exageración que bordeaba lo cómico.

El caso es que Klaus no quería ser recordado como un mero excéntrico. Obviamente, trataba de pasárselo bien y de disfrutar haciendo lo que hacía, pero su objetivo primordial era demostrar que la música popular y la clásica podían entenderse y darse la mano. Por supuesto, eso ya se hizo antes (o intentó hacerse) a principios y mediados de los 70, con multitud de grupos de rock sinfónico o de prog-rock que, en mitad de alguna de sus larguísimas suites, metían covers de artistas como Wagner o Mahler. Pero en la época en la que Klaus decidió sacar sus temas, tras la aparición del punk y la new wave, la cosa ya se había vuelto más difícil. Y es aquí donde aparece "The Cold Song".

"The Cold Song" es un aria de la semi-opera "El rey Arturo", compuesta por Henry Purcell y cuyo libreto fue escrito por un grande de las letras británicas como John Dryden. El aria consiste en la respuesta del Genio del Frío, espíritu del invierno, a la invocación hecha por el Genio del Aire. Es un momento sobrecogedor pero Klaus le da otra vuelta de tuerca. Al tratarla como pieza individual, y con la ayuda de su fantástica voz, nos da una sensación de fatalismo y pesimismo extremo. Klaus suena como un muerto resucitado, enojado y triste por haber sido llamado y tener que soportar el frío cruel de su morada mortal (no en vano es el jodido espíritu del invierno). La principal diferencia es que aquí la interpretación de Klaus despoja cualquier atisbo de "sobrehumanidad" que el prota del aria pudiera tener. Ahora Klaus suena como un hombre normal y corriente, confuso, aturdido y tiritando por haber sido llamado de entre los muertos por fuerzas ajenas a él.

Sorprendentemente, la fuerza de este tema es independiente del hecho que conozcamos el trágico final de Klaus apenas dos años después, en 1983, por complicaciones relacionadas con el SIDA, tal es la convicción y fuerza (o mejor dicho, ausencia de ella :P), que transmite.

The Church - Myrrh

2009-08-30T14:32:00.006+01:00

The Church
Heyday (1986)

Emerald haunt in overdrive
Nightmare descent into Jericho City
Camel dust heralds our arrival
New Christ beneath the drumkit moon

Oh Lord, we are threatened again
In the slipstream pull of the federal men
Plummet in some seamless night
Down here to Earth, it's hopeless then

Apache gunman in the boiling crowd
Who never got to meet you last time
We were interrupted by the telephone
You didn't think they were invented then

Oh Lord, we need miracles
We need more wine and gold
We need slaves and roads and personal favors
We need microphones and manifolds

How can you be so invisible?
Give me the nerves to see
Privilege on privilege
An unwanted discovery

So now we're cruising down this shuddering highway
With a dead sun shining on my back
And we talk about the way people treat us back there
Their hollow laughter, the pain in their eyes

Oh My Lord, I trust your intentions
But money strangles our love
Struggling like a fool with my junk and my jewels
You would have thought I'd had enough

How can you be so invisible?
Give me the nerves to see
Privilege on privilege
An unwanted discovery

Duración: 4:19

De todas las canciones que podía elegir para hacer mi primer post Churchiano "Myrrh" no resaltaba por ser la elección más obvia. No es tan reconocible como "The Unguarded Moment", ni tan famosa como "Under the Milky Way". Tampoco tiene la fuerza post-punk de "When You Were Mine", ni la atmósfera de "Ripple". "Myrrh" es, sencillamente, un tema sutil, ideal para abrir el apetito y tener ganas de más. The Church, cuando estaban inspirados, tenían un don para escoger los inicios perfectos para sus discos, y "Myrrh" cumple sobradamente las expectativas como puerta de entrada al mejor LP de su discografía, "Heyday".

De entrada, "Myrrh" suena a Paisley Underground, a jangle-rock levemente psicodélico. Enseguida nos vemos tentados a hacer asociaciones con los R.E.M. más indies, misteriosos y enigmáticos. Eso sí, con la diferencia de que a Steve Kilbey se le entiende lo que dice, aunque, en lo que respecta a las letras, se ve una semejanza con Stipe en esa obsesión por no mostrarse conciso y directo. Pero la principal diferencia reside en la urgencia típicamente post-punk del tema. "Myrrh" es sutilmente insistente, como unos Dream Syndicate atemperados pero no menos brillantes (las guitarras de Koppes y Willson-Piper demuestran porque son una de las mejores parejas de guitarristas del indie rock de los 80).

Para acabar, llamar la atención sobre el LP mismo y su fantástica cara A. No sólo tenemos la apertura ideal con este "Myrrh", sino que después podemos disfrutar de temazos como "Tristesse", "Already Yesterday" y "Columbus". Para redondear, tenemos "Happy Hunting Ground", un instrumental, sí, pero tremendamente apropiado. En resumen, quizás los mejores (o los más consistentes) 20-30 minutos de rock alternativo ochentero. Lástima que la cara B no esté a tan digna altura, a pesar de "Tantalized" y "Roman". A pesar de todo, puedo asegurar sin miedo a equivocarme que "Heyday" es la obra maestra de The Church y uno de los grandes discos infravalorados de su época.

The Adverts - One Chord Wonders

2009-08-29T18:59:00.006+01:00

The Adverts
One Chord Wonders 7" (1977)

I wonder what we'll play for you tonight
Something heavy or something light
Something to set your soul alight
I wonder how we'll answer when you say
"We don't like you, go away
Come back when you've learned to play"

I wonder what we'll do when things go wrong
When we're half-way though our favourite song
We look up and the audience has gone
Will we feel a little bit obscure
Think: "We're not needed here
We must be new wave, they'll like us next year"

The wonders don't care
We don't give a damn

Duración: 2:35

De todos los grupos que surgieron de la primera hornada de punk en Gran Bretaña (entre el 76 y el 77), los Adverts siempre han sido mis favoritos. Obviamente, habiendo grupos como Wire o Buzzcocks, de los que siempre he hablado y hablaré maravillas, esto merece una explicación. Para empezar, Wire en esa época ya estaba a medio camino entre el punk y el post-punk, mientras que los Buzzcocks en cuestión de meses pasarían a desarrollar su lado punk-pop por el que son más conocidos. Luego tenemos a los Sex Pistols, que nunca me transmitieron ni una cuarta parte de lo que los Adverts son capaces, sin negar su obvia importancia histórica y de que tienen temas innegablemente molones. Los Damned son un caso parecido, con la diferencia de que algunos de sus temas post-"Damned Damned Damned" (incluso un par o tres de su época gótico-ochentera) son tan buenos (o hasta mejores) que los de sus inicios.

Una vez aclarado esto, pasemos a la canción. "One Chord Wonders" fue el primer single de los Adverts y su título ya es suficientemente descriptivo. Si queriáis algo de contraste para los dos posts anteriores, aquí tenéis. El tema, como corresponde a algo que se precie de autodenominarse punk y con un título como ese, no ofrece apenas nada musicalmente hablando. Los Adverts son conscientes de sus limitaciones iniciales y las expresan tanto en la música como en la letra. Sorprendentemente, en apenas un año (más o menos), el tiempo que transcurre entre este single y la publicación de su primer LP, veremos al grupo evolucionar hacia un punk que podemos llamar "maduro" (por raro que suene). El sonido de ese primer LP, en 1978, será lo más parecido al sonido punk de los inicios, con el mérito añadido de sonar igual de fresco y original que casi cualquier disco clásico de la new wave o de ese post-punk que empezaba a asomar la cabecita por esas mismas fechas. En "One Chord Wonders" sin embargo, tenemos a cuatro tíos (bueno, vale, tres tíos y una tía) que utilizan sus pocos conocimientos y su mucho entusiasmo para lanzar un single que deja huella. Recogen el testigo de esos grandes maestros del asalto sonoro que fueron los Stooges y, a la manera ramoniana, aumentan la velocidad para darle un punto extra de intensidad que no encontramos en apenas ningún otro single de la época.

La versión elegida es la del single. La que aparece en el LP, "Crossing the Red Sea With the Adverts", no le llega a la suela de los zapatos, aunque contiene (casi) el resto de grandes canciones del grupo. La versión single se encuentra en buena cantidad de recopilatorios (algunos de ellos fantásticos), así que no es nada difícil hacerse con ella. Y para los que se quejan de la inclusión de "One Chord..." en lugar de "Gary Gilmore's Eyes", que no se preocupen, que tarde o temprano tendrá su sitio en este blog. Una de las dos tenía que ser la primera, tsk.

The Paul Butterfield Blues Band - East-West

2009-08-29T01:24:00.007+01:00

The Paul Butterfield Blues Band
East-West (1966)

Instrumental :D

Duración: 13:12

Mucho se ha hablado de la importancia de este tema en la evolución del rock y la música popular de finales de los 60 hacia adelante. Hay quienes dicen que de aquí parte ese género, tan vilipendiado posteriormente, que se conoce como fusión. También se argumenta que esto es una piedra de toque para el rock progresivo más avanzado, que nos llevará a la larga al RIO. Y la mayoría, que opina, no sin cierta razón, que todos los grupos americanos (y alguno europeo) que combinaron con más o menos acierto los sonidos tradicionales del folk y el blues con atmósferas jazzísticas y/o influencias exóticas le deben su existencia (o su manera de concebir la música) a éste gran tema. Hablamos, por poner dos ilustres ejemplos, de los Grateful Dead post-"American Beauty" y los Allman Brothers.

El tema se divide en dos grandes partes. Primero, la parte más o menos "East", la oriental. Luego, la parte "West", la occidental. En realidad, son tres secciones, ya que el comienzo es una breve introducción blues-rock. La línea de bajo establece el motivo principal y la guitarra de Elvin Bishop se convierte en protagonista. Tras cederle el testigo a la harmónica de Butterfield se produce el primer climax, con un crescendo instrumental. Esto marca el comienzo propiamente dicho de la sección "East". Ahora es la guitarra de Mike Bloomfield la que destaca por encima de los demás instrumentos, aumentando progresivamente la intensidad, hasta que (de nuevo) la harmónica de Butterfield se le une para empezar el segundo clímax, que da fin a esta sección. La sección "West" vuelve a contar con Bloomfield como actor principal. Su guitarra suena más melódica, pero su destreza no es menos alucinante. Al final, por primera y última vez, ambas guitarras comparten protagonismo, con Elvin y Mike contrapunteando, lo que lleva al tercer y definitivo clímax.

Sin duda, la figura es Mike Bloomfield, compositor del tema, cuyos solos se erigen en protagonistas absolutos del tema. Suyos son la mayoría de los mejores momentos que podemos apreciar. El contraste de su agresividad en la parte final de su improvisación "oriental" con el comienzo de la sección "melódica", en la que llega un punto que su guitarra apenas puede escucharse, es uno de ellos. Aunque también son de nota, por decir, ese minuto mágico a partir, aproximadamente, de 8:40, o el ya mencionado duelo final con Bishop.

Dust - From a Dry Camel

2009-08-28T00:18:00.011+01:00

Dust
Dust (1971)

You might think that I'm dreaming a dream
Allow me to say
That it's not as it seems

A maiden of Marion kind
Had too many offers
But not enough time

She speaks so many languages well
And all that she has
She could easily sell

Oh, she tries, oh so hard, to entice
The man that she meets
It's her only device

And then if her body runs dry
Got no reason to fear
There's a camel nearby

Just let it lie down on its side
Get yourself into place
And then go for a ride

It matters not one hump or two
Take care of your machine
In whatever you do

You see, there's no need to explain
If you want it enough
You can solve your own game

And then if her body runs dry
Got no reason to fear
There's a camel nearby

Just let it lie down on its side
Get yourself into place
And then go for a ride

It matters not one hump or two
Take care of your machine
In whatever you do

Well, you see, there's no need to explain
If you want it enough
You can solve your own game

Duración: 9:50

Otro gran tema del hard de comienzos de los setenta, "From a Dry Camel" contiene toda la épica de esos clásicos de la década, una voz con cierto atractivo greglaquiano (para los que gusten de la voz de Greg Lake claro), unas guitarras pesadas e insistentes y un bajo sólido. Es una canción típica de una época en la que, incluso en un género aparentemente tan poco dado a cambios y excentricidades como el hard rock, los grupos buscaban experimentar, aunque sólo fuera en la superficie.

"From a Dry Camel" suena casi a doom progresivo. Bueno, doom edulcorado pero progresivo. No llega a los niveles de Pentagram o Black Sabbath, pero el comienzo y el final de la canción tienen ese toque realmente heavy metal, con esos riffs llorones y ese bajo aguantando ahí debajo, dando la impresión de que estamos escuchando algo más metal de lo que realmente es. Básicamente, la canción no tiene más secretos. Su estructura, con su parte intermedia instrumental, no es novedosa. Lo que sí tiene es una sorprendente capacidad de enganche, con esas guitarras aportando texturas a lo largo de la canción, haciendo que el tema no se quede en un mero ejercicio de "empezamos con algo mitad prog mitad metal, luego instrumental, con algún solo, y acabamos como empezamos". También (aunque es opinión personal) destacar la voz de Richie Wise, convenientemente tratada, pero que suena perfectamente adecuada para un tema como éste y, además, prefigura un tipo de cantante específico para el metal de la siguiente década, el de voz limpia, cuyo mejor exponente sería quizás el gran Midnight de Crimson Glory.

Dust grabó otro disco tras éste, "Hard Attack", en 1972 y ahí acabó todo. ¿Todo? ¡No! Richie Wise co-produjo, junto a Kenny Kerner, los dos primeros LPs de KISS. Kenny Aaronson fue a parar a Stories y Marc Bell, tras pasar por los Voidoids de Richard Hell, se hizo un nombre en la historia como Marky Ramone, de quien por cierto podéis leer una excelente entrevista (as usual) en el site de Mark Prindle. Eso sí, se centran más en su vertiente punk-rock y en su doble singladura con los Ramones.

Love - The Red Telephone

2009-08-27T18:53:00.010+01:00

Love
Forever Changes (1967)

Sitting on a hillside
Watching all the people die
I'll feel much better on the other side
I'll thumb a ride

I believe in magic
Why, because it is so quick
I dont need power when I'm hypnotized
Look in my eyes
What are you seeing?
I see...
How do you feel?
...you
I feel real funny when my name is Phil
Or was that Bill?

Life goes on here
Day after day
I don't know if I am living or if I'm
Supposed to be
Sometimes my life is so eerie
And if you think I'm happy
Paint me white/yellow

I've been here once
I've been here twice
I don't know if the third's the fourth or if the...
The fifth's to fix
Sometimes I deal with numbers
And if you wanna count me
Count me out

I dont need the times of day
Anytime with me's OK
I just don't want you using up my time
Cause that's not right

They're locking them up today
They're throwing away the key
I wonder who it'll be tomorrow, you or me?

We're all normal and we want our freedom
Freedom... freedom... freedom... freedom
Freedom... freedom... freedom... freedom

Alla God's chilluns gotta have dere freedom

Duración: 4:45

"The Red Telephone" contiene uno de los comienzos más brillantes que se hayan escrito. Arthur Lee canta "sitting on a hillside, watching all the people die" y ya nos metemos de lleno en un paseo por la mente de un tipo que, según confesó más tarde, compuso sus canciones del clásico "Forever Changes" con la convicción irracional de que iba a morir pronto. El tema, como bien dice su título, trata de la línea directa que tenía el presidente de los Estados Unidos con su homólogo soviético y, obviamente, tiene un regustillo de flower power apocalíptico muy conseguido. En resumen, es la canción de un tipo que, a pesar de creer en todos esos ideales tan cukitos, ve más allá que sus compañeros y atisba, muy a su pesar, un futuro jodido (no para él, porque claro, él estará muerto... mas bien para los demás).

La canción mantiene un ritmo tranquilo y sosegado, con el que Arthur nos lleva de la mano en un paseo con una atmósfera ligeramente enturbiada (no hay más que ver esa letra), dando cierta sensación de calma antes de (o tras) la tempestad. La voz de Arthur lleva el peso de la canción y tras él la instrumentación nunca da una impresión total de firme estabilidad. Mas bien parece orgánica, casi como si los instrumentos y la sección de viento fueran a su aire, al estilo del acompañamiento musical de Van Morrison en "Astral Weeks". Los sutiles cambios de ritmo nos muestran los conflictivos estados de ánimo de Arthur, uno juguetón y otro más sereno. Su actuación vocal refuerza esa idea, llegando a veces a sonar como una mezcla de ambos, sonando alternativamente infantil y deprimente, como un niño jugando en algún prado postapocalíptico.

El final, ese tan famoso de "They're locking them up today..." se diferencia notablemente del resto de la canción. Cantado casi como un mantra, es un coda perfectamente adecuado, ya que actúa como esa pequeña tormenta mental que se anunciaba a lo largo de la canción. Arthur Lee ya no suena tan infantil como antes. Es como si hubiera perdido parte (aunque no toda) la inocencia que le quedaba. Al final, la impresion de ominosidad se ve reforzada por otro pequeño mantra, la repetición de la palabra "freedom", una palabra positiva pero repetida en registros graves, dando a la canción el toque final de esquizofrenia que necesitaba.

Clan of Xymox - A Day (Remix)

2009-08-27T14:32:00.007+01:00

Clan of Xymox
A Day 12" (1985)

La letra es de la versión LP, pero vamos...

Where are you?
When I'm needing you
So far away
So far away
I think you're the most important
To me, to me, to me, to me
My sunken footsteps put theirselves on
Through this gallery of deceased
I think their lives must be deceived
Like the sham nowadays

Where are you?
So far away
It makes no sense
It makes no sense at all

Where are you?
Where are you?
Where are you?

Where are you?
So far away
I think you're the most important
To me, to me
My sunken footsteps put theirselves on
Through this gallery of deceased
I think their lives must be deceived
Like the sham nowadays

Where are you?
So far away
I think their lives must be deceived
Like the sham nowadays
Nowadays
Nowadays
Nowadays
Nowadays

It makes no sense at all
So far away
In just one day
In just one day
It makes no sense at all
It makes no sense at all
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day
In just one day

Duración: 9:11

videoclip

Los 80 fueron una década caracterizada musicalmente por muchas cosas. Una de ellas fue la moda de los remixes. Prácticamente no había canción de éxito que no pasara por el tratamiento del remix, para ser luego incluida en algún maxi. El concepto tuvo tanta aceptación que muchas veces la versión maxi de un tema tenía mejor acogida que la del single. El mejor y más famoso ejemplo lo encontramos con "Blue Monday", de cuya versión single no se acuerda nadie y hay quienes han llegado a decir que nunca existió :O

Los buenos remixes se dividen en dos categorías. Algunos son simplemente versiones extendidas del tema original, añadiéndole partes instrumentales al principio o al final. De esto vimos un ejemplo con B-Movie y su "Nowhere Girl". Otros son remixes auténticos que transforman en mayor o menor medida el original. Sorprendentemente, el remix de "A Day" no entra en ninguna de las dos categorías categóricamente.

El tema no difiere mucho de la versión original, con sus ritmos industriales, sus guitarras afiladas, su bajo prominente, sus teclados tristes y atmosféricos. El secreto del remix es cómo deconstruye el tema y, con los mismos elementos, construye un tema más enfocado hacia el baile y, a la vez, más deprimente y gótico, dándole fuerza extra a la voz y los instrumentos, haciendo de un tema ligeramente anodino en la versión LP una jodida y emocionante obra maestra en versión maxi. Básicamente podemos decir que, muy listos ellos, aplican la fórmula del éxito de New Order. Es decir, llevar sus temas a las pistas de baile manteniendo cierta frescura y originalidad.

The Motors - Airport

2009-08-26T21:26:00.009+01:00

The Motors
Airport 7" (1978)

So many destinations, faces going to so many places
Where the weather is much better and the food is so much cheaper
Well I help her with her baggage for her baggage is so heavy
I hear the plane is ready by the gateway to take my love away
And I can't believe that she really wants to leave me
And it's getting me so...
It's getting me so...

Airport
Airport, you've got a smiling face
You took the one I love so far away
Fly her away, fly her away
Airport
Airport, you've got a smiling face
You took my lady to another place
Fly her away, fly her away

The plane is on the move and the traces of the love we had in places
Are turning in my mind, how I wish I'd been much stronger
For the wheels are turning faster as I hear the winds are blowing
And I know that she is leaving on the jet plane way down the runaway
And I can't believe that she really wants to leave me
And it's getting me so...
It's getting me so...

Airport
Airport, you've got a smiling face
You took the one I love so far away
Fly her away, fly her away
Airport
Airport, you've got a smiling face
You took my lady to another place
Fly her away, fly her away

I can't believe that she really wants to leave me
And it's getting me so...
It's getting me so...

Airport
Airport, you've got a smiling face
You took the one I love so far away
Fly her away, fly her away
Airport
Airport, you've got a smiling face
You took my lady to another place
Fly her away, fly her away

Duración: 4:13

actuación en la TV francesa (1978)

Mirad esos caretos de la portada. Miradlos atentamente. ¿A qué parece mentira que estos tipos, con esa pinta de rufianes, sean capaces de sacarse de la manga uno de los clásicos del power pop británico, por no decir nada de sus excelentes voces? Esa cara, amigos, se llama "cara de pub rock", y se diferencia de la cara de un matón de barrio cualquiera en su expresión relajada y amistosa. ¿Véis lo contentos que están? Bueno, menos Andy McMaster que tiene pinta de Robin Williams cuando el guión dice que su personaje debe mostrar tristeza. Oh mierda, me ha venido a la mente "Jack"...

Antes decía que "Airport" es power pop. No sabría bien qué decir. En el fondo lo es, pero con el añadido de una presencia (realmente notable) de teclados, que le dan un aire bastante tristón (más de la norma en algo power pop). Y es que, realmente, esa pinta de balada lacrimógena (de esas setenteras tan típicas) no se la quita nadie.

Los Motors nacieron cuando dos ex miembros de Ducks Deluxe (McMaster y Garvey), uno de los grupos pub rock más famosos (y más hards) de la época, decidieron crear una nueva formación. Tras unos inicios en los que, siguiendo la fórmula de Eddie & the Hot Rods, buscan enlazar el pub rock y otros sonidos más clásicos con el punk rock emergente (como muestra basta escuchar "Dancing the Night Away"), deciden suavizarse progresivamente. A consecuencia de ello tenemos temazos como "Airport" pero, desafortunadamente, esa canción se convirtió en un oasis en un mar de mediocridad, ya que el grupo había perdido esa chispa que les caracterizaba cuando eran tipos duros y sus sonrisas eran producto de la ingesta de cerveza tibia (están locos estos ingleses, por Tutatis).

"Airport" llama la atención por lo cerca que está de traspasar esa línea que separa lo molón de lo ridículo. Esos teclados, por Dios. Pero, oh sorpresa, esos jodidos teclados no sólo son parte intrínseca de la canción, sino que le dan un atractivo innegable. Además la interpretación del resto del grupo ayuda a sostener el tema, con una solidez propia de unos tipos curtidos en la dura vida en la carretera del circuito pub rock, de incontables actuaciones en locales de mala muerte de un montón de localidades a lo largo y ancho de Gran Bretaña. Si a esa experiencia y savoir faire le unimos toques sublimes como esa referencia a "Girl" con esos "tititititit" vocales, tenemos el tema perfecto, una especie de versión inglesa de lo que estaban haciendo por esa misma época Cheap Trick en Estados Unidos, la mezcla de lo puramente pop y lo puramente hard. Con la diferencia de que Cheap Trick fueron más consistentes, tsk.

The Everly Brothers - Take a Message to Mary

2009-08-26T19:21:00.009+01:00

The Everly Brothers
Poor Jenny 7" (1959)

These are the words of the frontierlad who lost his love when he turned bad

Take a message to Mary, but don't tell 'er where I am
Take a message to Mary, but don't say I'm in a jam
You can tell her I had to see the world or tell 'er that my ship set sail
You can say she better not wait for me, but don't tell her I'm in jail
Oh, don't tell her I'm in jail

Take a message to Mary, but don't tell 'er what I've done
Please, don't mention the stagecoach and the shot from a careless gun
You can tell her I had to change my plans and cancel out the wedding day
But please, don't mention my lonely cell where I'm gonna pine away
Until my dying day

Take a message to Mary, but don't tell 'er all you know
My heart's achin' for Mary, Lord knows I miss her so
Just tell her I went to Timbuktu, tell her I'm searchin' for gold
You can say she better find someone new to cherish and to hold
Oh, Lord, this cell is cold

Mary, Mary
Oh, Lord, this cell is cold

Duración: 2:26

"Take a Message to Mary" se inscribe en esa bonita tradición de la canción carcelaria, en la que un tipo suele cantar la historia de lo que le ha llevado allí o sobre cómo se lamenta de su situación, e incluso sobre ambas cosas. "Take a Message..." no se adentra del todo en ninguno de los dos terrenos. Da detalles sobre lo que le ha llevado a la cárcel, pero no se explaya. Y tampoco se lamenta tanto de su situación como otros quejicas carcelarios, puesto que se demuestra que su mayor preocupación es la felicidad de Mary :_D

Básicamente podemos asumir que la canción trata sobre cómo el protagonista quiere que su prometida inicie una nueva vida sin él, ya que es consciente de su culpabilidad y de que va a cumplir condena de por vida. Esto no es algo novedoso, claro. Lo intrigante es la forma de introducir ese personaje del mediador, ese que debe contarle toda la pesca a la pobre Mary. Tal y como está concebida la canción, cada uno de nosotros se ve obligado a tomar el papel de "amigo" o "mediador", y al final uno no sabe si estamos dispuestos a cumplir nuestro deber de amigo por la emoción que transmiten los hermanos Everly o si parte de la emoción del tema reside en cómo, sin comerlo ni beberlo, nos vemos convertidos en protagonistas de la historia.

Por supuesto habrá mentes masculinas aviesas y retorcidas que interpretarán que el prometido de Mary, al no especificar "quiero que sea feliz con alguien... que no seas tú", les da vía libre para enrollarse con ella sobre los cuartos traseros de algún jamelgo de camino a Minnesota o Nebraska. ¡Ten tú amigos para ésto!

Nacida de las cabecitas del matrimonio de compositores Felice y Boudleaux Bryant, autores de los primeros clásicos de los Everly, "Take a Message..." está compuesta con una sencillez y economía insultantes, propias de las grandes canciones del pop-rock americano pre-British Invasion. Sin duda, el momento más impresionante (ayudado por la excelente interpretación de los Everly) es ese giro en el que, una vez el narrador le pide a su amigo que le diga que Mary se puede ir buscando a un maromo "to cherish and to hold", suelta ese "Oh, Lord, this cell is cold" que te deja la piel de gallina por su contraste duro y a vez tan poético.

Yamasuki - Abana Bakana

2009-08-26T15:45:00.007+01:00

Yamasuki
Le monde fabuleux des Yamasuki (1971)

Encuentra tú la letra, en Kanji a ser posible, y luego la revisas... :I

Duración: 2:45

Alerta, frikada. Aviso de antemano. Bueno, esta joyita es el producto de las mentes de dos franceses que, quizás debido al aburrimiento y/o al consumo de alguna sustancia, tuvieron una conversación más o menos como ésta:

- Oye, esos LP para aprender idiomas molan
- ¿A que sí? Pero les falta algo...
- Sí, son educativos, pero no me hacen mover el esqueleto [N. del T. arcaísmo galo de la época, "mouvoir l'esquelette"]
- ¡Hagamos nosotros lo mismo, con ritmos guatequeros yé-yé!
- ¡Y otros más exóticos!
- ¡Es una gran idea! ¿Qué tal en ruso? Nuestro primer single podría ser "¿Me podría indicar la farmacia más cercana?" con un bonito arreglo acid rock de la melodía principal de Doctor Zhivago.
- Pero eso es de Maurice Jarre, ¿no?
- Pero suena a ruso.
- ¿Y por qué no en japonés? Conozco a un profesor de judo de un gimnasio de mi barrio. Oriundo de Tokio, ni más ni menos.
- ¿Pero sabe cantar?
- No, pero es cinturón negro y sus movimientos quedan chachis como coreografías.
- ¿Qué más nos hace falta? Hmmm... ¿Qué tal un grupo de niñatos cantando y haciendo coreografías?
- Tú sí qué sabes... Un momento... Tendrán que ser japoneses, ¿no?
- Si encontramos suficientes niños japoneses que vivan por aquí, por Francia, y cuyos padres les dejen meterse en este tinglado sin hacerse el seppuku...
- Si no, rellenamos con algunos niños de aquí con los ojos un poco rasgados y que sepan decir "Yamamoto".
- Bueno, venga, llama a las discográficas...

Feliz o lamentablemente, el resultado de esta conversación se acerca bastante a la realidad. Yamasuki (también conocidos como Yamasuki Singers) fueron un pequeño fenómeno de masas en Francia a principios de los 70, con sus coreografías inspiradas en las artes marciales, lideradas por un supuesto cinturón negro de judo auténtico, cuya voz imponente contrastaba con la de los niños que le acompañaban, de quienes se decía (según rumores aviesos y malintencionados) que no eran realmente japoneses de verdad.

"Abana Bakana" es sólo una muestra de lo que eran capaces. Canciones sencillas pero diversas, tocando géneros como el rock o el funk y añadiéndole toques pseudo-orientales, pero sin pretensión de originalidad. "Abana Bakana" es un tema concebido, al igual que los demás temas de los Yamasuki, para la diversión y el cachondeo, dando irónicamente cierta sensación de tristeza y melancolía a través de la energía de su fuzz guitar y de unos niños que transmiten que se lo están pasando en grande grabando esta canción.

Tones on Tail - Twist

2009-08-26T14:20:00.007+01:00

Tones on Tail
Christian Says 12" (1984)

As tomorrow's man and a topless bee
Jump over your head, remember me
Don't get confused by a dying sky and sea

The Panda Club has an odds on bet
Mr. Music Man needs a string quartet
On the planet where the alphabet starts with z

Energy and confidence
Buzz high in your consciousness
Don't get confused by an early morning rain

Cause the Panda Club has an odds on bet
Mr. Music Man needs a string quartet
On the planet where the alphabet starts with z

Man and moon plays a melody
That you can't forget, so remember me
Twist with tomorrow's man and me

Man and moon plays a melody
That you can't forget, so remember me
Twist with tomorrow's man and me
Twist with tomorrow's man and me
Twist with tomorrow's man and me

Duración: 5:04

Tones on Tail apenas duraron un par de años aproximadamente pero dejaron una cantidad de buenas (e incluso excelentes) canciones en ese período de tiempo que ya quisieran otros grupos más longevos. "Twist" fue casi su último aliento, ya que fue la cara B del último single que editaron, antes de que Daniel Ash se decidiera definitivamente a emprender la aventura Love and Rockets. No deja de ser curioso que este tema fuera, de todos los publicados por Tones on Tail, el favorito de Daniel.

Según Daniel, "Twist" encapsulaba perfectamente la visión que él tenía de la música que debían hacer, una especie de psicodelia moderna, adaptada a los nuevos tiempos ochenteros. Realmente, hay más que eso. Obviamente eso que dice el amigo Daniel de la psicodelia se nota. En parte por esos efectos sonoros diseminados con muy buen gusto, sin recargar, dándole un toque extra de atmósfera (esa producción, tan bien llevada), pero sobre todo por las partes en las que la guitarra toma el papel predominante. Esas partes recuerdan en cierto modo a los Chocolate Watchband y otros grupos de su época en su vertiente más ácida, pero nunca dan la sensación de ser meros ejercicios de nostalgia o revival.

También podemos hablar de ese toque de surf guitar que le da al conjunto un toque retro que combina perfectamente con el ambiente de psicodelia oscura y futurista del tema, todo ayudado por el tono y la cadencia de la voz de Daniel. Con todos estos elementos "Twist" consigue evocar imágenes de una época lejana pero alternativa, unos años 30 o 40 de un planeta lejano, o de un futuro bladerunneriano de cine negro. Para acabar, recomendar haceros con "Everything" que, como su nombre indica, recopila todos los temas cukitos de Tones on Tail en dos CDs.

Sodom - Sodomy and Lust

2009-08-26T02:01:00.010+01:00

Sodom
Expurse of Sodomy 12" (1987)

Behind the scenes of destiny
I adore you in this song for me
Call me within your holy house to dwell
Let me raise for myself in spell
Voluptuously dancing daughters of the night sky
Sing the rapturous love song with sighs
Let your sweet scented juice run
Waste away under the lashes of my whip

Bath in sin
Sadistic souls
Break their crust
Sodomy and lust

Carnal desire runs through my veins
Whipping boys and scapegoats cry in pain
Psychopathic terror during their sleep
My power asks why, my power is weak
Spineless bundles of my excess
Expurse of innocence and helplessness
In the perfumes of my secret orison
Fresh blood of children drops down on me

Bath in sin
Sadistic souls
Break their crust
Sodomy and lust

Madness, crime, disgrace, ptomaine
Excrements, contempt, violence, kill

Ordeals of a thousand deads concealed in gloom
Strike hard and deep, to hell with them master
Mighty prophet's stature shall surpass the stars
The passion is the smell of cremation
I spit on your crapulous creed, curse them!
Sucking your giveth delight and bright glory
Strive ever to be more joyous to death
Don't fear any God will deny you for this

Bath in sin
Sadistic souls
Break their crust
Sodomy and lust

Duración: 5:13

actuación en directo

Uno de los tres grandes del thrash teutón, junto a Kreator y Destruction, Sodom se caracterizan por una marcada influencia del punk, filtrada a través de la NWOBHM y grupos como Venom o Motörhead. Así, su sonido en su mejor época (a finales de los 80, antes de que Frank Blackfire se fuera a Kreator) es casi como el de unos Motörhead que se hubieran decidido a subir un par de escalones el elemento metal de su música.

"Sodomy and Lust" es considerado por muchos como el tema indispensable de Sodom, y no sin razón. A primera vista, parece contener más fuerza bruta que el resto de primeros clásicos del grupo, mientras no deja de ser una composición extrañamente controlada. Da la impresión de ser una bestia musical con riendas que los tres miembros del grupo logran dominar con facilidad sin que se les vaya de las manos. La guitarra de Frank Blackfire es un elemento clave, sonando como ese punto intermedio entre el thrash y el incipiente death metal y anticipándose por poco al sonido de los Sepultura de "Beneath the Remains" o "Arise". Por su parte, la batería de Witchhunter suena especialmente característica y es, sin duda, una de las cosas que más destacan de la canción. Posiblemente uno de los mejores baterías de toda la escena metal de los 80, Witchhunter toca con la sencillez necesaria para llevar adelante el tema con precisión añadiéndole toques distintivos y, sobre todo, un sentido del ritmo envidiable.

Sodom, mal que me pese, no siempre son tan perfectos como aquí. Adolecen del síndrome Motörhead, incluso en su época clásica. Son capaces de soltar clásicos uno detrás de otro, pero siempre parece que se repiten. Ya sabéis, eso de:

"Joder, como mola lo nuevo de Motörhead"
"Como siempre"
"Pero me recuerda a [include name of any former Motörhead song of their classic era]"
"Pero mola, ¿no?"
"Yeah, qué coño"

Por tanto discos clásicos como "Persecution Mania" se ven afectados por una especie de falta de variedad que impide disfrutar del disco igual que si escucháramos sus excelentes temas (bueno, no todos, eh) por separado. Hablando de "Persecution Mania", "Sodomy and Lust" y el resto del EP "Expurse of Sodomy" se incluyen como bonus tracks de la edición en CD del disco, así que es la manera más sencilla de hacerse con este temita tan bonito y de paso con un disco excelente (a pesar de la crítica que le he hecho).

Alphaville - De máscaras y enigmas

2009-08-26T00:38:00.008+01:00

Alphaville
El desprecio 12" (1984)

Nadie pudo ver su auténtico rostro
Nadie logró conocer su verdadera obsesión
Siempre tuvo puesta una última máscara
Que mantuviera la duda hasta el momento final

Nunca derramó una sola lágrima
Jamás dejó translucir la más mínima emoción
Era el guardián del último enigma
Nadie supo quién había bajo ese disfraz

De máscaras y enigmas

Un extraño vacío en el lugar de los ojos
Sin luz, sin brillo, sin vida, sin ninguna expresión
Unos labios de mármol, unas manos inertes
Su cuerpo gris parecía apenas real

Se esfumó una noche, se perdió en el silencio
Alguien llegó a decir que todo fue una ilusión
Pero no pudo explicar por qué, cada aniversario
Ante la luna las nubes dibujan un antifaz

De máscaras y enigmas

Duración: 4:14

videoclip

No, no son los Alphaville de "Forever Young". Estos son los Alphaville patrios. Los de la Nueva Ola. Los madrileños. Los raritos. Tan raritos que tocan temas influenciados por la lectura de filósofos existencialistas, de Nietzsche o de Lovecraft. "De máscaras y enigmas" es uno de sus trabajos más comerciales (no en vano salió como cara A de un maxi y tuvo clip emitido en "La bola de cristal"), pero mantiene esa esencia de "nosotros somos diferentes al resto" que les caracterizaba.

De hecho, si algo se les podía achacar a Alphaville (o más bien a su líder, José Luis Abel), era que, de tanto querer ser diferentes daban cierto tufo a pretenciosidad. Y es que, seamos sinceros, no sólo parecían presuntuosos, sino que daba la impresión de que querían serlo, de que necesitaban hacer un poco de contrapeso a la Movida oficial, la que se dictaba por la música festiva y los colores chillones. "De máscaras y enigmas" atempera esas tendencias, pero sólo lo justo para demostrar que siguen siendo capaces de ofrecer temas de calidad y que, de no haber caído el grupo fruto de las desavenencias, podrían haber llegado a ser uno de los principales referentes musicales de la música española actual (al menos en la escena indie).

El tema destaca ante todo por ese sonido post-punk importado de sus influencias inglesas. Hace pensar, sobre todo, en unos Psychedelic Furs que se hubieran vuelto obsesivos con la trilogía de Berlín de Bowie y en sus trabajos con Eno y Fripp. Sea como sea, estaba claro, incluso con breves acercamientos a lo supuestamente comercial como este tema, que Alphaville fue uno de los grandes (pero no suficientemente valorados) grupos de su época.

The Jam - Down in the Tube Station at Midnight

2009-08-25T14:38:00.007+01:00

The Jam
All Mod Cons (1978)

The distant echo
Of faraway voices boarding faraway trains
To take them home to
The ones that they love and who love them forever
The glazed, dirty steps
Repeat my own and reflect my thoughts
Cold and uninviting, partially naked
Except for toffee wrappers and this morning's paper
Mr. Jones got run down
Headlines of death and sorrow
They tell of tomorrow
Madmen on the rampage
And I'm down in the tube station at midnight

I fumble for change
And pull out the Queen
Smiling, beguiling
I put in the money and pull out a plum
Behind me
Whispers in the shadows
Gruff blazing voices
Hating, waiting
"Hey boy", they shout
"Have you got any money?"
And I said
"I've a little money and a take away curry
I'm on my way home to my wife
She'll be lining up the cutlery
You know she's expecting me
Polishing the glasses and pulling out the cork"
And I'm down in the tube station at midnight

I first felt a fist, and then a kick
I could now smell their breath
They smelt of pubs and wormwood scrubs
And too many right wing meetings
My life swam around me
It took a look and drowned me in its own existence
The smell of brown leather
It blended in with the weather
It filled my eyes, ears, nose and mouth
It blocked all my senses
Couldn't see, hear, speak any longer
And I'm down in the tube station at midnight
I said I was down in the tube station at midnight

The last thing that I saw
As I lay there on the floor
Was "Jesus saves" painted by an atheist nutter
And a British Rail poster read
"Have an awayday - a cheap holiday - do it today!"
I glanced back on my life
And thought about my wife
Cause they took the keys
And she'll think it's me
And I'm down in the tube station at midnight
The wine will be flat and the curry's gone cold
I'm down in the tube station at midnight
Don't want to go down in a tube station at midnight

Duración: 4:42

Top of the Pops (1978)
actuación en directo

No es casualidad que parte del atractivo que para mí encierran todos esos grandes artistas y grupos de finales de los 70 se encuentra en sus letras. El ejemplo más claro sería Costello. Pero las letras de Devoto para Magazine siempre me parecieron ideales de la muerte. O las de los Buzzcocks, con sus rabietas adolescentes sorprendentemente bien pensadas. O las viñetas costumbristas de Squeeze. Joder, a lo que iba, que incluso los mejores temas de los Adverts parecían tener más chicha en ese aspecto que The Jam.

Y no digo que Paul Weller no sepa escribir, Dios me libre. Sólo que con The Jam conecto más musicalmente que otra cosa. Las letras no me dicen mucho. Excepto en contadas ocasiones, como aquí. "Down in the Tube Station..." está a la altura de las mejores letras que he podido escuchar, no sólo de esa época, sino del pop-rock en general. Pero no sólo de letras vive el hipotecado, así que Paul Weller construye un pequeño trozo de épica pop con los elementos justos y necesarios. Su guitarra suena convenientemente punk con esos trazos sesenteros que tanto le molan. El bajo de Foxton lleva el peso melódico y demuestra ser uno de los grandes de su instrumento (en una época en la que surgieron excelentes bajistas, como Barry Adamson o Bruce Thomas). Y la batería de Buckler, el arma secreta de The Jam, sutil pero imponente en su dominio del ritmo. Pero vamos, estos elogios no son casualidad, ya que posiblemente tengamos aquí la mejor sección rítmica del punk rock post Pistols (en su vertiente más o menos comercial, PIL están en otra liga), en dura pugna con Bruce y Pete Thomas de los Attractions de Costello.

No podemos olvidar la voz de Weller, acelerada, tensa y llena de rabia en esos momentos finales de una canción mayúscula. Algo tan brillante como esa parte final ("The last thing that I saw as I lay there on the floor was "Jesus saves" painted by an atheist nutter..."), en la que el protagonista de la canción pierde el conocimiento mientras piensa en el destino de su pobre mujercita, es para aplaudir. Para acabar, recomendar escuchar la copla en su versión completa, la del LP, con sus efectos sonoros redondeando un tema perfecto. Escuchando la versión single siempre da la impresión de que le falta algo.

T2 - No More White Horses

2009-08-25T01:29:00.008+01:00

T2
It'll All Work Out in Boomland (1970)

arfs, otra vez no encuentro lyrics... :(

Duración: 8:32

Obra maestra del hard rock progresivo, el único LP que editaron T2 mezclaba a la perfección los sonidos más cool de esa época de cambio de década y, sin embargo, apenas tuvo repercusión. El mejor tema del disco, "No More White Horses", alterna varias sonoridades y estilos que se complementan perfectamente entre sí a lo largo de sus más de ocho minutos de duración.

La guitarra de Keith Cross (un joven prodigio menor de edad cuando se grabó el disco) se deja notar por su calidad y por su facilidad para tocar con igual eficacia tanto hard psych como proto doom sabbathiano o lo que se le ocurra. Los cambios de ritmo, a veces sorprendentemente abruptos pero acertados, permiten incorporar estilos dentro de otros, como cuando la canción toma aspecto de balada progresiva pero comparte espacio con duros riffs de guitarra. Esto se nota con la aparición del piano tocando gentilmente la melodía principal, mientras detrás tenemos la guitarra de Keith Cross preparándose poco a poco para la parte final, la más metal del tema, en la que esos riffs doom, constantes y pesados, toman el control definitivo.

Quizás el secreto de lo que hace de este disco una obra maestra a descubrir es como recoge influencias para reunirlas sin sonar como una copia de otros grupos, o como un amalgama sin sentido. T2 son coherentes y además suenan muy bien, sobre todo con esa fantástica guitarra de Cross.

Unrest - Imperial

2009-08-24T20:35:00.009+01:00

Unrest
Imperial f.f.r.r. (1992)

No encuentro la jodida letra, argh!

Duración: 7:50

De esa época en la que descubrí el fascinante mundo del indie rock hay un puñado de grupos que me atrayeron por aquel entonces y siguen atrayéndome a día de hoy, o cuando me da por redescubrirlos. Por ejemplo, Unrest. Unrest, por aquel entonces, estaban lejos de ser uno de mis grupos favoritos, ni siquiera entre lo indie, pero un buen número de temas de su discografía con Bridget Cross entraron en mi cabecita con sus irresistibles melodías y su juvenil entusiasmo. Desde entonces, cuando la nostalgia me da por recuperar aquellos pequeños clásicos, nunca me siento defraudado, y menos con discos tan redondos (joder, claro, si no, no se podrían meter en el reproductor...) como "Imperial f.f.r.r." o "Perfect Teeth" o el EP "Isabel Bishop" (aunque estos dos no llegan a la altura de "Imperial...")

"Imperial f.f.r.r." marca, si no me equivoco, el debut de Bridget Cross en el bajo. Y vaya si su presencia se nota. Con ella, Unrest coge esa obsesión por el amateurismo y la experimentación que ya estaba presente para focalizarla en un pop fresco e incomparable. Podemos establecer comparaciones con Yo La Tengo en algunos de sus momentos más soft, pero poco más. En realidad, el sonido que Unrest desarrolla para este disco se mueve a medio camino del pop británico tan querido por Mark Robinson y el post-punk más underground. Unas veces más cerca de lo primero, otras de lo segundo. Por ejemplo, "Imperial", el temazo elegido en este post, es dream pop minimalista, casi como influenciado por los Young Marble Giants.

Paradójicamente, he cogido "Imperial" no sólo por molar mucho sino por representar mejor el sonido Unrest que cualquiera de sus canciones más pop, como "Suki", "Make Out Club" o "I Do Believe You Are Blushing". Aquí el elemento pop permanece, pero reducido a sus mínimos elementos. Así, da la impresión de que Unrest ha cogido una canción pop de toda la vida, con su duración normal de dos o tres minutos, para partirla en varios trocitos y construir otra canción más larga, diseminando esos trocitos a lo largo. Luego, como son muy cool, y como bonus, añaden ese efecto sonoro de copas de vino al final, que queda tan cukito.

Angel Witch - White Witch

2009-08-24T19:15:00.012+01:00

Angel Witch
Angel Witch (1980)

In the middle of last night she went out to get her revenge
On the black witches that tried to kill her
They tried to sacrifice and burn her soul in flames
Some unknown force came and freed her

Burn the white witch
Burn the white witch

Death bears a sickly smile, will the fools ever learn?
They still smile when their own death is near
She has got more power than you will ever know
They tried to harm her, but it's too late

Burn the white witch
Burn the white witch

Standing by your shadow
Your eyes are full of tears
You cannot seem to unwind yourself
You have killed death and fear

Forever and ever we are free
Together forever, for eternity

She died early this morning from the spells of the dead
Death had its own way and won
Now she can rest in peace and sleep inside her grave
She cannot be harmed anymore

Burn the white witch
Burn the white witch

Duración: 4:45

actuación en directo (2009)

Bueno, ahora toca un poco de diversión metal y pseudo-satanista de andar por casa. Angel Witch fueron, sorprendentemente, uno de los grupos más infravalorados de la primera ola de la NWOBHM. Afortunadamente el paso del tiempo ha puesto las cosas en su sitio y el nombre del grupo siempre sale mencionado en las discusiones sobre esa gran época del metal, al igual que su LP homónimo está considerado una de las piezas cumbres del sonido NWOBHM.

Usando una formación de power trio, más típica del hard rock que del metal, Angel Witch recoge el testigo de Black Sabbath y Judas Priest, las dos influencias a partir de las cuales la mayoría de grupos de la NWOBHM construyeron su propia identidad y sonido), y construye el que es quizás el disco clave para definir ese género musical, junto al LP de Diamond Head. Los primeros trabajos de los Maiden con DiAnno tienen una descarada influencia punk rock. Def Leppard, incluso en sus inicios, se muestran más hard rock que metal. Motörhead está a medio camino de todos los géneros considerados extremos, encontrando su propio camino con gran éxito. Otros encuentran demasiado gusto en lo progresivo. Incluso Diamond Head, los hijos pródigos de tan adelantados que estaban, suenan más a thrash, a metal de los 80, que a esa época concreta.

Así, los temas de Angel Witch quizás no tengan la transcendencia histórica de otros, pero suenan a clásicos de todas todas y, en cierto modo, tuvieron su propia influencia sobre el sonido del metal del futuro. "White Witch", por poner un ejemplo, suena fresco incluso ahora. Su música nos retrae a una época concreta en la que el metal buscaba la sencillez, conectar con el público, pero a la vez quería hacerlo crecer, evolucionar. Su letra, como las del resto del LP, evoca esa época en la que se podía cantar sobre temas ocultos con desparpajo y alegría sin parecer idiota... Bueno, quizás sí, pero eso tampoco importa tanto :I

Malicorne - La blanche biche

2009-08-24T18:20:00.010+01:00

Malicorne
Malicorne (1977)

M'envoient jeter de l'eau dans le chemin des fées
Ils m'ont donné un don qui m'a toujours resté
Je suis fille le jour et la nuit blanche biche
Tous les jours les gens du château me poursuivent

La chasse est après moi et les barons et les princes
Et mon frère Renaud qui est encore bien pire
Allez ma mère, allez bien promptement lui dire
Dites-lui de rappeler ses chiens, je vous prie

Où sont tes chiens, Renaud, et ta chasse gentille?
Ils sont dedans les bois qui cour la blanche biche
Arrête-les, Renaud, arrête, je t'en prie
Par trois fois son cor a sonné, la blanche biche est prise

Mais quand le dépouilleur va dépouiller la biche
Elle a les cheveux blonds et le sein d'une fille
A pris son grand couteau, en quartiers il l'a mise
Dans un plat d'or et d'argent l'ont servie

Nous voici tous ici, où est ma soeur gentille?
Vous n'avez qu'à souper, suis la première assise
Ma tête est dans le plat et mon coeur aux chevilles
Et dessus vos noirs charbons, mes os grillent

Duración: 6:29

"La blanche biche" es una (relativamente) famosa canción popular bretona que trata la historia de una jovenzuela sobre la que cae un sortilegio: de noche se transforma, sin ella desearlo, en una magnífica cervatilla de color blanco. El problema surge cuando su hermano sale en partida de caza en busca de la codiciada presa... La canción tiene ese regusto de los cuentos clásicos sin edulcorar, con su crueldad poética y ciertas insinuaciones apenas veladas al incesto.

La versión de Malicorne respeta el espíritu medieval del tema (algo que no se puede decir de otras versiones que he escuchado, aparentemente más famosas, pero que suenan casi a new age...), buscando además una sonoridad distintiva. Así, tenemos una muestra de folk progresivo perfecto, en la que se evocan tanto el mundo fantástico, pero cruel, de la canción popular, como una cierta atemporalidad, que hace que nos suene extrañamente viejuno y futurista a la vez.

Esto se debe fundamentalmente a que "La blanche biche" es una creación de estudio. Usando loops de cinta magnética de instrumentos antiguos sincronizados en vivo, y con esa incorporación progresiva de los coros en un registro desafiantemente más grave del de la voz principal de Marie Yacoub, se crea una atmósfera inquietante pero que hace de la escucha de esta canción una experiencia adictiva.

He puesto el título original del disco, que resulta ser el tercer disco homónimo del grupo. Normalmente (en la línea de Led Zep), se le conoce como "Malicorne 4" (o IV), o incluso como "Nous sommes chanteurs de sornettes", según el tema que da inicio al disco.

Scritti Politti - Skank Bloc Bologna

2009-08-24T14:25:00.005+01:00

Scritti Politti
Skank Bloc Bologna 7" (1978)

Tell her to work at Tesco's
Tell her to stay at school
Tell her what's possible
All day derision
Down at the Bull and Bush
Hopeless in Harrogate

Over and above and she hasn't a clue
Twenty number six and she hasn't an answer
No one wants to listen and there's no one wants to know
Someone's got a question that she doesn't want to see

(falta esta parte de la letra, que no encuentro por ningún lado, arfs)

Knocking around at tea time
Up in her room, alone
Something she doesn't know
The Skank Bloc Bologna
Keeping us all alive
Something in Italy

Stuck around the home and they haven't a clue
Dinner's at six and it isn't an answer
Now, they've got a notion and they haven't got a hope

Rockers in the town, the magnificent six
Rockers in the town with an overestimation
Now they've got a notion and they're working on a hope
A Euro-ruled vision and a skank in scope

Duración: 5:54

"Skank Bloc Bologna" es, indudablemente, una de las joyas del post-punk primerizo. Acumulando elementos del dub (tan en boga en Gran Bretaña en aquella época de finales de los 70), de la poesía urbana, del RIO de Henry Cow, y muchas otras cosillas, este primer single de Scritti Politti es una simple muestra, entre tantas otras, de lo mucho que se cocía por el underground londinense en aquellos fértiles años.

Varias cosas destacan aquí, como ese bajo que lleva la voz cantante durante la mayor parte del tema y que suena deudor del dub, a la vez que recuerda en cierto modo al trabajo de Barry Adamson en Magazine. La percusión también merece atención, concentrada en el uso de los platillos y añadiendo ritmo y textura a la vez. La letra (de la que no consigo encontrar una versión completa, damn it) recuerda tanto a la poesía urbana de una Patti Smith como a las proclamas socialistas de tantos grupos de la época, pero todo mezclado en un mejunje abstracto. Luego, obviamente, están esos cambios abruptos, esos ritmos que varían a la buena de Dios, pero todo con criterio. O esos acordes de guitarra, tan crudos. Aunque lo mejor es darse cuenta de como fluye todo, a pesar de su aparencia de monstruo de Frankenstein sonoro.

El tema es fácilmente encontrable. En la recopilación "Early", donde se recogen los temas primerizos de Scritti Politti. Otra opción, bastante recomendada, es el recopilatorio de Rough Trade Shops dedicado al post-punk. Y si alguien encuentra la jodida letra completa que me lo diga :D

B-Movie - Nowhere Girl (Version)

2009-08-24T01:24:00.009+01:00

B-Movie
Nowhere Girl 12" (1982)

Nowhere girl, you're living in a dream
Nowhere girl, you stay behind the scenes
Nowhere girl, you never go outside
Nowhere girl, cause you prefer to hide

Every day, every night
In that all old familiar light
You hang up when I call you at home
And I try to get through
And I try to talk to you
But there's something stopping me from getting through

Nowhere girl, what you had you need
Nowhere girl, all functional and neat
Nowhere girl, in self-imposed exile
Nowhere girl, a martyr-like denial

Every day, every night
In that all old familiar light
You hang up when I call you at home
And I try to get through
And I try to talk to you
But there's something stopping me from getting through

Duración: 6:32

"¡Oh no, otra de esas ochentadas de las que le gustan tanto a éste!" No huyáis malditos. Sí, suena a esa época maldita para algunos, pero mola más que cualquier tema de aquella recopilación de Lo Mejor de los 80, que presentaban Paul King y sus venerables canitas, con los CDs pegados entre sí, como un arma improvisada dispuesta a rebanar el gaznate de tu enemigo... Ahora resultará que el jodido tema estará en esa recopilación y me habré lucido...

Bah, seguro que es la versión corta. Bueno, "Nowhere Girl" (en esta versión que presentamos aquí) es una de las muestras más perfectas de que la música ochentera muchas veces recorre esa fina línea que separa lo cutre de la genialidad. El tema, así de primeras, no ofrece nada destacable, pero basta una escucha o dos para darnos cuenta de que estamos ante una suma de elementos fantástica. Tenemos la introducción, que ocupa sin rubor más de tres minutos. Sin ella, "Nowhere Girl" no es la misma canción, parece anodina incluso. Y si nos fijamos únicamente en la intro nos damos cuenta de que tampoco es nada del otro mundo. Pero las unimos y se complementan a la perfección. También tenemos esa acumulación de detalles para enganchar al oyente. Esa secuencia de sintetizador. Esa línea de piano. Esas voces femeninas. Esos riffs de guitarra entrecortados que consiguen sonar orgánicos y mecánicos a la vez. El tema es la demostración perfecta de que se puede hacer pop rock descaradamente comercial y fresco a la vez.

La versión que tenemos aquí es la del maxi que editó Some Bizzare en 1982. Existen versiones anteriores, como una primeriza y algo post-punk, o la primera versión oficial que salió en single en 1980. En 1985 salió otra jodida versión para el primer álbum del grupo, "Forever Running", que es la peor de las que he podido escuchar. Pero no os preocupéis, la versión que importa es ésta, trust me :D

Smog - To Be of Use

2009-08-23T16:26:00.004+01:00

Smog
Red Apple Falls (1997)

Most of my fantasies are of
Making someone else come

Most of my fantasies are of
To be of use
To be of some hard
Simple
Undeniable use

Oh, like a spindle
Or, oh, like a candle
Or, oh, like a horseshoe
Or, oh, like a corkscrew

To be of use
To be of use

Most of my fantasies are of
Making someone else come
On a horse
Over palms laid
On the threshold
Of the coming day

Coming day
Coming day
Come

On a horse
Over palms laid
On the threshold
Of the coming day

Coming day
Coming day
Come

Duración: 5:37

"To Be of Use" entra en ese peligroso terreno minado que es la "balada económica", ese en el que, con una voz aceptable (vamos, no para tirar cohetes) y unos acordillos de tu guitarra, te puedes sacar de la manga una canción como la copa de un pino. Se puede discutir también sobre si esto es slowcore, sadcore o Hipercor, pero no me apetece ahora entrar en esas disquisiciones.

El tema quizás sea de lo más austero que haya compuesto Bill Callahan. Si sus letras siempre habían llamado la atención por parecer observaciones costumbristas desde un punto de vista algo alejado de la realidad (el de alguien encerrado en sí mismo), aquí ya parece Emily Dickinson metida a cantautora. Musicalmente tampoco ofrece gran cosa, pero se trata de una canción que no precisa de grandes alardes, ni siquiera de la técnica de un Nick Drake. Eso sí, esos toques de la steel guitar le añaden mucho fondo, dando aún más sensación de soledad.

Y aunque no lo parezca se pueden descubrir pequeños detalles diseminados a lo largo de la canción. La forma de Bill Callahan de empezar cantando con más dulzura, o con mayor énfasis, ciertas partes para volver a su estilo habitual, más despegado (o resignado) inmediatamente después es impagable. Al final, cuando canta "Coming day, coming day, come", la primera vez suena a ilusión del tipo "oh, no me lo puedo creer, es ella, la mujer de mi vida", seguida de chasco monumental tipo "ah, no, no es nadie, soy un jodido neurótico con visiones", y la segunda vez suena a dulce resignación, la de alguien que anhela algo pero es consciente de que podría no tenerlo nunca.

Groundhogs - Cherry Red

2009-08-23T13:52:00.005+01:00

Groundhogs
Split (1971)

All night long I loved her, morning came too soon
I knew she'd be gone by the afternoon
I said please don't go, still she said goodbye
But as she turned around she had a crafty look in her eye
As she turned around she had a crafty look in her eye

And I thought it said:
"When the moon rise this evening, you'll turn round in your bed
The warmth of my body will heat you, make your blood run cherry red"

All next day I waited for her return, but she didn't show
The daylight turned to the dark of night,
I said please come soon, still there was no sign
But as the dawn returned I knew that look in her eye was just a lie
As the dawn returned I knew that look in her eye was just a lie

And I thought it said:
"When the moon rise this evening, you'll turn round in your bed
The warmth of my body will heat you, make your blood run cherry red"

Duración: 5:43

Lo que tenemos aquí es uno de los primeros (y clásicos) ejemplos de proto-metal. Pero no del proto-metal que se suele aplicar a esos grupos y canciones que anticipan en cierto modo el sonido de Black Sabbath o Led Zeppelin y tal y cual. Esto es más bien "proto-metal de verdad". Es decir, el escalón que debemos pisar antes de entrar en la Sala del Metal Propiamente Dicho, y cuyo umbral es Judas Priest y la NWOBHM. Más o menos al estilo de Budgie, para entendernos, pero de una forma bastante diferente.

"Cherry Red" no sólo destaca por su intensidad y velocidad, sino también por su singularidad (algo nada aparente a primera escucha). Bajo esa imagen de jam session metaloide se esconde un raro ejemplo de un género naciendo, no de sus padres, sino de sus supuestos abuelos. Es el sonido del metal incipiente y dando sus primeros pasitos bajo la atenta mirada del blues rock británico (sí, el de John Mayall, Alexis Korner, Peter Green y Eric Clapton), género en el que los Groundhogs mantienen sus pies, atreviéndose a lanzar sus redes a otros sonidos.

Básicamente los Groundhogs se pasan por el forro la transición que llevaron a cabo la mayoría de grupos que, entre décadas, pasaron de los sonidos de los 60 a los de los 70. Así pues, nos dejan un tema con pegada, sin apenas punto de comparación con otras canciones de la época, pero anclado en un género que por aquel entonces no gozaba del favor de otros y parecía que había pasado su momento de gloria.

Celtic Frost - Dawn of Megiddo

2009-08-23T01:40:00.011+01:00

Celtic Frost
To Mega Therion (1985)

Humiliated in human form
We die to be reborn
Awaiting the final judgement
The dawn now lifts
The subjects of flesh
Slaves of lust
The cross has failed
See the coming fall

Diviner's fire and soil
Flames, like flowers, like blood
Fires of freedom, flowers of doom
A surface of hateful hope

Oh subjects of pain
Lovers of death
You will feel
The yearning flames

Flames like tongues, like cries
Pant for kisses, for bites
Seven steps, we are one
Humiliated, inhuman thoughts

The frost, it bites
Your inner heart
Frozens the flame
In every eye
The Lord will come
Broken ice
The fire will burn
In gleaming ways

We'll never be reborn
Prenatal death, redeemed
We demand our hearts
The Lord and we are one

Oh subjects of pain
Lovers of death
You will feel
The yearning flame

Duración: 5:47

actuación en Wacken (2006)

Si tuviéramos que decir el grupo de metal más influyente de los 80 pocos se atreverían a decir Celtic Frost. Cierto, fueron tremendamente importantes en el desarrollo del metal durante los años que estuvieron dándole al callo. Pero, ¿acaso podemos atrevernos a ponerlos por encima de Metallica o Slayer? Pues sí, con dos cojones. Al fin y al cabo, Celtic Frost fue el germen de varias escenas dentro del metal que irían floreciendo en los años posteriores.

En primer lugar tenemos la influencia sobre el death metal. Por su riqueza y variedad (sorprendente, ya que aparentemente se trata de un bloque monolítico de pesados riffs) "To Mega Therion" nunca suele ser etiquetado únicamente como death metal. Esto se debe a que, por aquella época, el death no existía (al menos, tal como lo conocemos ahora), pero sí existían grupos como Possessed o Death, que con sus demos y primeras grabaciones fueron allanando el camino para la eclosión definitiva del género a finales de los 80. Si nos fijamos, donde más claramente encontramos la influencia de Celtic Frost en la escena death es en sus tres máximos exponentes: Death, Morbid Angel y Sepultura.

De la influencia que tuvieron sobre el black metal se ha escrito más. Casi todas los grupos clásicos de black metal surgidos en el boom noruego de principios de los 90 os citarán a Bathory y/o Celtic Frost. Es curioso pero, a primera vista, uno no ve la relación entre C.F. y el black. Entonces uno escucha temas como este "Dawn of Megiddo" o "Eternal Summer" y cae en la cuenta. Es la atmósfera. La producción. Esos arreglos que dan la impresión de situarnos en cavernas preternaturales. A la larga la sombra de C.F. se extenderá sobre el hijo bastardo del black, el black sinfónico.

Para acabar, mencionar la influencia sobre un género más amplio y lleno de matices que es el metal alternativo. Ahí la influencia de C.F. (que en esta ocasión se fundamenta más en "Into the Pandemonium" que en "To Mega...") es sólo una de muchas, pero es lo suficientemente importante como para merecer nuestra atención.

Sí, apenas he hablado de la canción. Vale. Pues eso, que es mi favorita del disco (uno de mis tres discos favoritos de metal ochentero) y es la que refleja mejor lo que he querido explicar. Si ya luego queréis investigar y tal es vuestro problema :D

The Zombies - Hung Up on a Dream

2009-08-22T19:57:00.010+01:00

The Zombies
Odessey and Oracle (1968)

Well, I remember yesterday
Just drifting slowly through a crowded street
With neon darkness shimmering through the haze
A sea of faces rippling in the heat
And from that nameless changing crowd
A sweet vibration seemed to fill the air
I stood astounded, staring hard
At men with flowers resting in their hair

A sweet confusion filled my mind
Until I woke up only finding everything was just a dream
A dream unusual of its kind
That gave me peace and blew my mind
And now I'm hung up on a dream

They spoke with soft persuading words
About a living creed of gentle love
And turned me on to sounds unheard
And showed me strange and clouded sights above
Which gently touched my aching mind
And soothed the wanderings of my troubled brain
Sometimes I think I'll never find
Such purity and peace of mind then

Duración: 3:02

Los Zombies (los ingleses, of course) son uno de mis grupos favoritos (quizás debería hacer cuentas... me parece que tengo demasiados grupos que llamo favoritos) además de ser uno de los más infravalorados de su época. Cierto es que de un tiempo a esta parte han sido más o menos reivindicados, y que su música es relativamente fácil de encontrar. Pero no es suficiente, ya que, a mi modo de ver, deberían tener un reconocimiento mayor. No digo a la altura de los grandes como los Kinks, los Beatles o los Stones, pero sí en ese más que digno escalón inferior.

"Hung Up on a Dream" es una canción flower power a saco, pero, a diferencia de la mayoría de temas similares, que escuchados ahora pueden no sonar con la misma fuerza (e incluso pueden parecer risibles), consigue sonar atemporal a pesar de la cursilería cukita de su letra. Esto resulta irónico teniendo en cuenta que, según cuentan los propios Zombies, la canción no es sobre lo bonito que es todo cuando tomas LSD o te fumas un piti, sino que fue compuesta como sentido homenaje a ese periodo de finales de los 60 (a partir del 67) en el que abundaba el optimismo a saco y la juventud tenía sueños y esperanzas y todo eran buenas intenciones. Hay que resaltar que los Zombies en ese momento no tenían su sitio claramente definido dentro de la escena musical. Su estilo les acercaba más a los Beatles del 65 o, en todo caso, al pop de los 70. En la época del "Odessey..." se sentían como espectadores de una escena social y musical que no les disgustaba, mas bien la veían con mucho optimismo, algo que se refleja claramente en la canción.

"Hung Up..." tiene varios puntos estelares. Para empezar, la voz de Colin Blunstone, genial como siempre en su candidez. Luego tenemos el solo de guitarra de Paul Atkinson, preciso y precioso. Los teclados de Rod Argent añadiendo atmósfera y dando al conjunto una sensación de majestuosidad. Y, como no, esa composición ligeramente atípica, con ese puente en mitad de la canción que lleva directamente al segundo y último verso, en el que Colin canta ligeramente con mayor intensidad.

XTC - Dying

2009-08-22T19:06:00.010+01:00

XTC
Skylarking (1986)

It frightens me when you come to mind
The day you dropped in the shopping line
And my heart beats faster when I think of all the signs
When they carried you out your mouth was open wide
The cat went astray and the dog did pine for days and days
And I felt so guilty when we played you up
When you were ill, so ill

What sticks in my mind is the sweet jar on the sideboard
And your multicoloured tea cosy
What sticks in my mind is the dew-drop hanging off your nose
Shrivelled up and blue
And I'm getting older, too
But I don't want to die like you
Don't want to die like you

Duración: 2:31

Tras un par de frikadas del copón supongo que es hora de un post con algo más sencillito. Ahora le toca el turno a "Dying", que es, sentimentalmente al menos, mi tema favorito de XTC. Con ese título y conociéndome, no hace falta ser muy listo para averiguar qué me llama la atención de un tema como éste. Estoy de acuerdo en que no es una obra maestra indiscutible, olvidada y a reivindicar. Simplemente es una pequeña muestra de la genialidad del dúo Moulding-Partridge cuando se encontraban inspirados.

"Dying" es pop acústico sencillamente perfecto en su sencillez (ya sabemos que el pop cuanto más sencillo en apariencia resulte, mejor). Además tenemos el tratamiento de un tema no muy alegre, como es el de la muerte. O mejor dicho, la conciencia de la muerte. Con cierto sentido muy inglés del humor implícitamente soterrado bajo una canción depresiva de por sí, Colin Moulding, el autor del tema, nos habla de como influye en nosotros la visión de la muerte de otros, en especial de nuestros mayores. Moulding describe con brillantez la sensación de patetismo que desprende una muerte lenta, una de esas muertes anunciadas que nunca terminan de llegar, de postración interminable en la cama. La letra evoca además ese humor no intencionado del que se pierde en frívolos detalles que le vienen obsesivamente a la mente.

En resumen, XTC eran genios cuando estaban en estado de gracia. Lo podemos comprobar en "Skylarking", su magnum opus (en mi opinión y en la de muchos), una de las obras maestras del pop de los 80, en la que encontramos un puñado y medio de temas tan buenos o más como éste. Pero lógicamente en mi corazoncito "Dying" tendrá un lugar privilegiado.

Thomas Tallis - Spem in alium

2009-08-22T17:31:00.005+01:00

The Tallis Scholars (Directed by Peter Phillips)
Spem in alium (1985)

Spem in alium numquam habui praeter in te
Deus Israel
qui irasceris
et propitius eris
et omnia peccata hominum in tribulatione dimittis
Domine Deus
Creator coeli et terrae
respice humilitatem nostram

Trad. al inglés:

I have never put my hope in any other but in you
O God of Israel
Who can show both anger
And graciousness
And who absolves all the sins of suffering man
Lord God
Creator of Heaven and Earth
Be mindful of our lowliness

Duración: 9:51

Tenía miedo de postear algo de música clásica, dado mi relativo desconocimiento del tema, y ya no digo de música coral renacentista. Pero no podía resistirme a los encantos de esta obra de arte. Estamos ante una obra maestra capaz de cautivar y emocionar a casi cualquier oyente con la disposición adecuada.

No hace falta saber mucho de música clásica para comprender las intenciones de Tallis. Como suele ser habitual en obras de este tipo el objetivo es empequeñecer al lector, hacerle sentir insignificante, como un personajillo en un cuadro de Friedrich. Por eso piezas como esta funcionan mejor con auriculares y prestando la suficiente atención o bien subiendo a tope el volumen de los altavoces. Pero conseguir eso sin aburrir al oyente a lo largo de diez minutos no es tarea sencilla. Así no estamos ante un ejercicio de "drone vocal". Las diferentes voces entran y salen, a veces individualmente, otras en grupo. Son voces que se entretejen como instrumentos en una mezcla de Kevin Shields, consiguiendo efectos que resultan a veces emocionantes. Además hablamos de, ni más ni menos, que de cuarenta voces, que no es moco de pavo.

Precisamente, el hecho de necesitar cuarenta voces con la suficiente técnica como para interpretarla hace que esta pieza no sea representada habitualmente, que digamos. Pero siempre nos queda imaginar como debe sonar algo como esto en las condiciones ideales, en un recinto como una iglesia o catedral y con verdadero sonido surround, con los diferentes grupos de voces rodeando al oyente...

Present - Promenade au fond d'un canal

2009-08-22T13:40:00.008+01:00

Present
Trikaidékaphobie (1980)

No hay letra. Instrumental, querido Watson.

Duración: 19:14

actuación en directo (2005), primera parte
segunda parte
tercera parte

Dada mi fascinación por las corrientes más oscuras del R.I.O., y por Univers Zéro en particular, no era de extrañar que acabara posteando algo como esto en este blog. Present fue formado por Roger Trigaux, guitarrista fundador de U.Z., en busca de sonoridades más modernas y agresivas. No es que U.Z. no fueran agresivos, pero empleaban una agresividad "de cámara", de violas, violines e instrumentos similares. Trigaux quería más guitarras, algo más Frippiano, pero sin perder la esencia de lo mejor de U.Z.

Así, "Triskaidékaphobie", primer LP del grupo, no tiene una atmósfera tan opresiva como la del disco de los Uni inmediatamente anterior, "Hérésie". De hecho, creo que hay pocos discos tan opresivos como ese. Sin embargo, la sensación que da es igualmente inquietante. Si "Hérésie" recuerda a los mejores relatos de Lovecraft, con su tensión creciente y esos clímax evocando imágenes de desesperación y locura ante fuerzas aparentemente invisibles pero cuya presencia es palpable, los temas de "Triskaidékaphobie", en particular este "Promenade...", evocan a Poe con su apilamiento incesante de sensaciones para acumular tensión. Una tensión que, en la mejor tradición de Poe, apenas sí se resuelve al final de todo. Por tanto, "Promenade..." son casi veinte minutos de terror sonoro. Terror del tipo "oigo pasos detrás de mí, pero cuando me doy la vuelta no veo a nadie". En cierto modo, recuerda a una mezcla de los King Crimson de mediados de los 70 y las bandas sonoras de Goblin para Argento. El clímax de los cinco minutos finales es particularmente sobrecogedor, porque siempre da la sensación de que toda la tensión acumulada a lo largo de los quince minutos anteriores va a estallar, pero lo único que consigue es ir acumulando más y más...

Podéis encontrar el tema en la reedición en CD que incluye sus dos primeros LPs ("Triskaidékaphobie" y "Le poison qui rend fou"). Haceros con él, aunque sólo sea por el primero, un disco perfecto (dentro de su estilo) de cabo a rabo.

Nick Drake - Things Behind the Sun

2009-08-22T02:24:00.009+01:00

Nick Drake
Pink Moon (1972)

Please beware of them that stare
They'll only smile to see you while
Your time away
And once you've seen what they have been
To win the Earth just won't seem worth
Your night or your day
Who'll hear what I say?

Look around, you find the ground
Is not so far from where you are
Don't too wise
For down below they never grow
They're always tired and charms are hired
From out of their eyes
Never surprise

Take your time and you'll be fine
And say a prayer for people there
Who live on the floor
And if you see what's meant to be
Don't name the day or try to say
It happened before

Don't be shy, you learn to fly
And see the sun when day is done
If only you see
Just what you are beneath a star
That came to stay one rainy day
In autumn for free
Yes, be what you'll be

Please beware of them that stare
They'll only smile to see you while
Your time away
And once you've seen what they have been
To win the Earth just won't seem worth
Your night or your day
Who'll hear what I say?

Open up the broken cup
Let goodly sin and sunshine in
Yes, that's today
And open wide the hymns you hide
You find reknown while people frown
At things that you say
But say what you'll say
About the farmers and the fun
And the things behind the sun
And the people round your head
Who say everything's been said
And the movement in your brain
Sends you out into the rain

Duración: 3:56

No sé si "Things Behind the Sun" es mi tema favorito de Nick Drake. Sé que está entre mis tres o cuatro favoritos, eso sí. Tampoco sé si es la mejor opción para adentrarse en la música de Nick. Pero sí sé que "Things Behind the Sun" es el tema clave de su discografía. Ese con el que dices "joder, creía que Nick Drake era la leche, pero estaba equivocado... es la leche con nesquik".

"Things Behind the Sun" es la demostración perfecta de lo mucho que se puede conseguir con una simple guitarra acústica. Su aparente sencillez (como en los demás temas de "Pink Moon") esconde una composición brillante y una interpretación perfecta. No hay más que recordar que fue grabado (al igual que el resto del álbum) en una única toma, sin overdubs posteriores. Y la voz de Nick que, si nos fijamos, difiere tanto de su voz de los dos primeros álbumes, nos da la imagen de la depresión por la que estaba pasando, una depresión tranquila, reposada. Además, el tema tratado es sorprendentemente optimista si lo compáramos con el resto del disco.

Poco más me queda por decir. Sólo recomendar escucharlo (y ya de paso el resto de grandes canciones de Nick, que ya postearé algunas aquí). Lo único necesario para disfrutarlas es un poco de tranquilidad y prestarles un mínimo de atención. Además, otra prueba de la grandeza de Nick es que no hace falta un momento concreto del día para disfrutarlo. No es necesario esperar al crepúsculo, o a la madrugada solitaria, para ponerte tu disco de Nick Drake. Porque sus canciones (incluso las de "Pink Moon") se disfrutan a cualquier hora del día. Te transmiten en cualquier momento. Y eso no lo consiguen muchos artistas.

El Último Sueño - El silencio de los cisnes

2009-08-22T01:32:00.008+01:00

El Último Sueño
El silencio de los cisnes 7" (1984)

¿Qué oigo ahora que antes no oía, de repente, en la cinta?
Extrañas voces, murmullos y ruidos saliendo de la nada

Yo sólo quería grabar el silencio de los cisnes
Tumbado a la orilla del lago
Descubriendo el reflejo del aire

Un claro aroma embriaga el aire, aprovecho el momento
Quisiera ver a través de las piedras y encontrarme un secreto

Yo sólo quería grabar el silencio de los cisnes
Tumbado a la orilla del lago
Descubriendo el reflejo del aire

Duración: 3:30

Quizás el grupo más infravalorado de lo que se suele llamar "Nueva Ola", El Último Sueño apenas pudo sacar un EP y un single antes de desaparecer del mapa. Lo primero que oí de ellos fue el EP, cuyo tema principal "Perdido en el túnel del tiempo" me pareció de lo mejor que había oído hasta ese momento en cuanto a pop español de principios de los 80. Más tarde descubrí el single y, mira tú por donde, me dejó frío la primera vez que lo escuché. Me pareció anodino y carente de la fuerza de "Perdido..."

Pero poco a poco, sin prisas, la jodida canción ya se ha convertido en uno de mis temas favoritos de la Nueva Ola española (un género que si se investiga a fondo es capaz de dar bastantes sorpresas agradables). Destaca, entre otras cosas, por su concisión. Sobre todo lírica. Verso, estribillo, nuevo verso, estribillo. Y ya está. La canción no necesita nada más. Musicalmente tenemos esa insistente melodía trompetera (de hecho, los hermanos Palomo son fans de Miles Davis...) y el contrapunto con la sección de cuerdas. Todo aderezando la instrumentación de pop-rock clásico (a destacar el bajo). Si el uso de vientos y cuerdas puede hacer pensar en Love, la influencia más clara de El Último Sueño es claramente el post-punk británico (empezando por Joy Division y Echo and the Bunnymen y acabando por Aztec Camera o A Certain Ratio).

Casi podemos decir, sin miedo a equivocarnos, que El Último Sueño fue, de todos los grupos más o menos conocidos de la Nueva Ola, el más post-punk de todos... o al menos el que más puntos en común tenía con lo que se hacía en Gran Bretaña a principios de los 80, en esa época convulsa que separa el punk y el primer post-punk del rock alternativo de los 80. Lástima que grabasen tan poco :(

Paul Roland & the Hellfire Club - Walter the Occultist

2009-08-21T15:51:00.004+01:00

Paul Roland & the Hellfire Club
A Cabinet of Curiosities (1987)

Walter the Occultist is sleeping in the parlour
His tarot is stained with cucumber and tomato
The kettle bubbles over, calls the caged canary, "Walter, mind the shop"

"Walter can you tell us?" ask the fat girls from the chorus
"Will we be happy? And the Gods, they be for us?
And what do the cards say about those men we met upon the pier?"

Once there were stars behind his eyes
But now they've dimmed and crystalised
The Gods are cruel, they tease the fool
Who lifts the veil

Walter reads the tea leaves spread on the Sunday papers
The things that he sees there would astonish all his neighbours
The strongman and the midget, the bearded lady and the tattooed twins

Once there were stars behind his eyes
But now they've dimmed and crystalised
The Gods are cruel, they tease the fool
Who lifts the veil

Duración: 3:29

Sorprendentemente no supe de la existencia de Paul Roland hasta hace relativamente poco. Y eso siendo fan de Robyn Hitchcock, el artista contemporáneo de Paul con el que se suelen hacer la mayoría de comparaciones. Paul Roland en cierto modo recuerda a Robyn, sobre todo en su fascinación por la Incredible String Band, Syd Barrett y el folk más oscuro y primitivo. Pero hay notables diferencias. Para empezar el estilo musical de Paul es más conciso, siendo básicamente una actualización moderna de sus influencias musicales y literarias. Eso, en parte, le da un aspecto más oscuro a sus temas (sin perder cierta encantadora ironía, algo en lo que se parece a Robyn). Su estilo vocal también es diferente y recuerda más a David Tibet que al propio Robyn.

"Walter the Occultist" no es un tema perfecto. A veces me da la sensación (y creo que quizás vosotros también lo pensaréis) que es un tema de dos o dos minutos y medio alargado hasta los tres y medio de duración que realmente tiene. Es más un tema para revisitar en plan "coño, hace tiempo que no escucho ésta" que para escucharla varias veces a lo largo del día.

Pero no temáis. Es un tema cukito y encantador en cualquier situación. Su letra es evocadora a más no poder (al menos para mí). Musicalmente recuerda al Robyn Hitchcock más austero, sólo que con arreglos orquestales. Y los temas de Paul son ideales para escuchar leyendo tus libros de Valdemar Gótica. Hace de la lectura de M.R. James o de Algernon Blackwood una experiencia aún más cukita si cabe...

The Bolshoi - Sunday Morning

2009-08-21T14:49:00.007+01:00

The Bolshoi
Friends (1986)

I remember when I was young
Feeling sick on Sunday morning
I don't wanna do it anymore

Standing in a line with a dirty mind
Clean it up on Sunday morning
I don't wanna do it anymore

One day a week we turn the cheek
One day a week we turn the cheek

Oh, how we'd kneel down
Oh, we were so quiet
Never any light there
I don't care, it's not right there

Get up early, do your hair
Sunday best on Sunday morning
I don't wanna see it anymore

Tea and toast in the social hall
We had it all on Sunday morning
I don't wanna see it anymore

We come in fear, to worship here
We come in fear, to worship here

Oh, how we'd kneel down
Oh, we were so quiet
Never any light there
I don't care, it's not right there

It's wrong to feel, it's wrong to care
You must not steal, you must not swear

Oh, how we'd kneel down
Oh, we were so quiet
Never any light there
I don't care, it's not right there

I don't wanna do it anymore
I don't wanna see it anymore

Duración: 6:30

videoclip

Temazo donde los haya, "Sunday Morning" es más que la típica "canción de pop alternativo ochentero guitar-style", género tan en boga en la segunda mitad de la década, gracias a grupos como los Smiths que, hartos de tanto synth-pop y tanta tecnificación de la música, buscaron recuperar la hegemonía de la guitarra y del pop-rock sencillo y directo.

"Sunday Morning", a pesar de su aparente sencillez, esconde algunos ases bajo la manga. Las transiciones están a un pelo de coño rasurado de sonar forzadas y, sin embargo, suenan bien. El tratamiento vocal del estribillo es excelente, sobre todo al principio, cuando la voz de Trevor Tanner entra cortando a través de los instrumentos (algo que me recuerda curiosamente al "Ripple" de The Church) para luego establecerse en feliz armonía con éstos. Además, las voces de fondo esparcidas a lo largo del tema le dan un aire de espontaneidad bastante logrado.

La versión presentada aquí es la larga, la que aparece en el LP "Friends". No es que la versión single sea mala, sólo que es (y se me hace) más corta. No sé si la versión del maxi es la del disco, la del single, u otra distinta. En cualquier caso, el temita (en su versión larga y cukita) es fácilmente encontrable en la edición CD de "Friends", que viene con el EP "Giants". Recomendaría también el recopilatorio "AWay", pero desconozco la versión de "Sunday Morning" que tiene... aunque si no os importa qué jodida versión tenga, es una buena opción :D

The Left Banke - Pretty Ballerina

2009-08-21T13:21:00.009+01:00

The Left Banke
Walk Away Renee / Pretty Ballerina (1967)

I had a date with a pretty ballerina
Her hair so brilliant that it hurt my eyes
I asked her for this dance
And then she obliged me
Was I surprised? Yeah
Was I surprised? No, not at all

I called her yesterday
It should have been tomorrow
I could not keep the joy that was inside
I begged for her to tell me if she really loved me
Somewhere a mountain is moving
Afraid it's moving without me

I had a date with a pretty ballerina
Her hair so brilliant that it hurt my eyes
I asked her for this dance
And then she obliged me
Was I surprised? Yeah
Was I surprised? No, not at all

And when I wake on a dreary sunday morning
I open up my eyes to find there's rain
And something strange within said
"Go ahead and find her
Just close your eyes, yeah
Just close your eyes and she'll be there"

She'll be there...

Duración: 2:37

Clásico entre los clásicos del pop barroco sesentero, "Pretty Ballerina" es, además, uno de mis temas predilectos de una época (finales de los 60) tan pródiga en grandes canciones. No es sólo la melodía, ni la voz de Steve Martin (no, no ese Steve Martin ¬¬), ni la instrumentación. "Pretty Ballerina" tiene un componente extra que la hace transcender por encima de otros temas de su época.

Todo depende de si se conoce la historia de su gestación, o no. No es algo terriblemente novedoso (además de ser una historia contada muchas veces), pero resulta que los dos singles por los que The Left Banke son reconocidos hoy en día (éste y "Walk Away Renee") fueron compuestos por Michael Brown, el cerebro y compositor del grupo, al encontrarse perdidamente enamorado de una tipa llamada Renee Fladen. Pero resulta que la tal Renee era novia de Tom Finn, uno de los miembros del grupo y eso complicaba las cosas. ¿Qué podía hacer entonces el pobre Michael para hacer llegar su mensaje de amor a Renee? ¿Acecharla para poder decirle cositas a escondidas? ¿Mandarle mensajes y cartas perfumadas a su casa? No, qué va. Decidió que todo el mundo tenía que enterarse y compuso un par o tres de temas sobre ella. En uno de ellos se menciona su profesión, "ballerina". En otro su nombre, "Renee". No hacía falta ser un genio para ver a quien se refería. Cómo me hubiera gustado estar en las sesiones de grabación :_D

Michael Brown: Mirad, éstas son las canciones que vamos a intentar aprender hoy
Tom Finn: Hmmm... "Walk Away Renee"... "Pretty Ballerina"... ¿De qué me suena esto?
Resto del grupo: (silba)
Michael Brown: Bah, ya estás pensando mal... ¡Con la cantidad de Renees q habrá en Nueva York!
Steve Martin: ¿Y que sean ballerinas?
Michael Brown: ¡Basta! ¿Hemos venido a hablar de nimiedades o a tocar?

Ah, el maravilloso mundo de la música pop :D

El tema está disponible en la fantástica recopilación "There's Gonna Be a Storm: The Complete Recordings", donde se recoge la discografía completa de The Left Banke en un único CD.

RAH Band - Clouds Across the Moon

2009-08-20T11:14:00.010+01:00

RAH Band
Clouds Across the Moon 7" (1985)

"Good evening. This is the intergalactic operator. Can I help you?"
"Yes. I'm trying to reach flight commander P.R. Johnson, on Mars, flight 2-4-7"
"Very well, hold on please... You're through"
"Thank you, operator"

Hi darlin', how are you doing?
Hey baby, were you sleeping?
Oh, I'm sorry, but I've been really missing you

Hi darlin', how's the weather?
Say baby, is that cold better now?
Oh, I'm sorry, is there someone there with you?

Oh, since you went away, there's nothing goin' right
I just can't sleep alone at night
I'm not ashamed to say I badly need a friend
Or it's the end

Now, when I look at the clouds across the moon
Here, in the night, I just hope and pray that soon
Oh baby, you'll hurry home to me

Hi darlin', the kids say they love you
Hey baby, is everything fine with you?
Please forgive me, but I'm trying not to cry

Oh, I've had a million different offers on the phone
But I just stayed right here at home
I don't think that I can take it anymore
This crazy war

Now, when I look at the clouds across the moon
Here, in the night, I just hope and pray that soon
Oh baby, you'll hurry home to me

"I'm sorry to interrupt your conversation, but we are experiencing violent storm conditions in the asteroid belt at this time. We may lose this valuable deep space communication link. Please, be as brief as possible. Thank you"

Oh, since you went away, there's nothing goin' right
I just can't sleep alone at night
I'm not ashamed to say I badly need a friend
Or it's...or it's...

"Hello? Hello operator? Yes, we've lost the connection. Could you try again, please?"
"I'm sorry, but I'm afraid we've lost contact with Mars 2-4-7 at this time"
"OK, thank you very much... I'll... I'll try again next year... next year... next year... next year..."

Now, when I look at the clouds across the moon
Here, in the night, I just hope and pray that soon
Oh baby, you'll hurry home to me

Duración: 4:29

videoclip (no apto para mentes sensibles)

Posiblemente una de las mariconadas más sensibleras que postearé aquí, este single de RAH Band (básicamente un proyecto de estudio de un tal Richard Anthony Hewson) es un ejemplo perfecto de clásico ochentero. A primera vista parece simplemente una lacrimógena balada con aire futurista, cogiendo la influencia de las torch songs y las baladas sesenteras y mezclándola con ese espíritu tan ochentero de sintetizadores y gusto por lo robótico y demás zarandajas futuristas.

Obviamente, "Clouds Across the Moon" es eso. Pero su punto fuerte radica en como se establece firmemente en esa línea separando ambos conceptos. No cae en un exceso de sentimentalismo (sólo lo justo para emocionar al oyente), ni se pierde en excesos (algo tan propio de la época). Con una instrumentación y una producción totalmente adecuadas, consigue que suene como un "clásico perdido" a día de hoy. Sonará retro, sin duda, pero sonará como retro clásico del copón.

A destacar esa letra (cantada por la mujer de Hewson), en la que no oímos la voz del tal P.R. Johnson (que se supone que es su marido si hablan de los niños y tal). Podemos imaginar a la pobre mujer ahí, dale que te pego, mientras P.R. se limita a escuchar sin decir nada, como si no le apeteciera mucho que digamos esa conversación. Quizás tanto tiempo en Marte le ha hecho acostumbrarse a la vida sin su mujercita (mientras que ella, pobre, sigue pensando en él). Este punto de vista se refleja en el clip oficial, en el que, cuando ella le pregunta "is there someone there with you?", aparece una mujerzuela bailando al lado de P.R., mientras éste sigue mudo...

Fairport Convention - Percy's Song

2009-08-19T23:23:00.008+01:00

Fairport Convention
Unhalfbricking (1969)

"Bad news, bad news, come to me where I sleep"
Turn, turn, turn again
"Say, one of your friends is in trouble deep"
Turn, turn, to the rain and the wind

"Tell me the trouble, tell me once to my ear"
Turn, turn, turn again
"Joliet prison and ninety-nine years"
Turn, turn, to the rain and the wind

"Oh, what's the charge of how this came to be?"
Turn, turn, turn again
"Manslaughter in the highest degree"
Turn, turn, to the rain and the wind

I sat down and wrote the best words I could write
Turn, turn, turn again
Explaining to the judge I'd be there on Wednesday night
Turn, turn, to the rain and the wind

Without a reply, I left by the moon
Turn, turn, turn again
And was in his chambers by the next afternoon
Turn, turn, to the rain and the wind

"Would you tell me the facts," I said without fear
Turn, turn, turn again
"That a friend of mine could get ninety-nine years"
Turn, turn, to the rain and the wind

"A crash on the highway, flew the car to a field"
Turn, turn, turn again
"There was four persons killed and he was at the wheel"
Turn, turn, to the rain and the wind

"But I knew him as good as I'm knowing myself"
Turn, turn, turn again
"And he wouldn't harm a life that belonged to someone else"
Turn, turn, to the rain and the wind

The judge he spoke out of the side of his mouth
Turn, turn, turn again
Saying "The witness who saw, he left without doubt"
Turn, turn, to the rain and the wind

"That may be true, he's got a sentence to serve"
Turn, turn, turn again
"But ninety-nine years he just don't deserve"
Turn, turn, to the rain and the wind

"Too late, too late, for his case it is sealed"
Turn, turn, turn again
"His sentence it is passed and cannot be repealed"
Turn, turn, to the rain and the wind

"But he ain't no criminal and his crime it is none"
Turn, turn, turn again
"What happened to him could happen to anyone"
Turn, turn, to the rain and the wind

At that the judge jumped forward and his face it did freeze
Turn, turn, turn again
Saying "Could you kindly leave my office now, please?"
Turn, turn, to the rain and the wind

His eyes looked funny and I stood up so slow
Turn, turn, turn again
With no other choice except for to go
Turn, turn, to the rain and the wind

I walked down the hallway and I heard his door slam
Turn, turn, turn again
I walked down the courthouse stairs and did not understand
Turn, turn, to the rain and the wind

And I played my guitar through the night to the day
Turn, turn, turn again
And the only tune my guitar could play
Was "The Old Cruel Rain and the Wind"

Duración: 6:49

Bob Dylan compuso "Percy's Song" al estilo de las típicas baladas inglesas para niños. Por tanto no deja de ser adecuado que un grupo inglés como Fairport Convention la incluyera en su repertorio e hiciera de ella una de las mejores versiones de Dylan jamás hechas. De hecho, no resulta raro. Antes de decantarse al cien por cien por el folk más típicamente británico, Fairport Convention era un grupo brillante a la hora de reinterpretar el folk rock que estaba haciendo furor al otro lado del Atlántico, ya sea con versiones o con temas propios.

En un disco con temas propios como "Autopsy", "Genesis Hall" (dos temazos, yeah) o "Who Knows Where the Time Goes?" (que no me dice mucho, a pesar de ser uno de los hits de Sandy Denny), la elección de "Percy's Song" obedece a razones sentimentales, pero también porque es un tema que ilustra uno de los puntos fuertes de los F.P., la sutileza, un rasgo que usarían también cuando pasaron a ser el grupo de folk-rock inglés por excelencia.

Alargando el tema hasta los casi siete minutos, la interpretación que hacen del tema logra que el interés nunca decaiga, con sus pausas introspectivas bien medidas, sus sutiles variaciones de intensidad (con un Richard Thompson demostrando que es un jodido genio incluso para dar su toque personal a la guitarra pasando relativamente desapercibido). Y por encima de todo la voz de Sandy Denny. Siempre he preferido a Linda Thompson (o Peters), por su fuerza y convicción, pero Sandy tenía una naturalidad inconfundible y aquí tenemos una buena muestra de ello. Su voz se mezcla con la instrumentación y las segundas voces, haciendo que la canción fluya orgánicamente, y su interpretación es brillante en cuanto a versatilidad.

Enslaved - 793 (Slaget om Lindisfarne)

2009-08-19T19:53:00.006+01:00

Enslaved
Eld (1997)

Åretak hørtes, vakre langskip fosset frem
Som en vind fra nord, kom våre fedre i land
Horder, Ryger og Egder, samlet til felles strid
Staute menn ten frykt
Sverdslag knuste kristmanns skalle

Lenge hersket vi, Nordens konger
Mange slag vi vant ved Midgards strender
Men, sveket av våre egne, ble vi tvunget net i kne
Når vinden nå igjen jager, vender tankene omsider hjem
Vi skal reise oss i vår prakt
Sannelig skal kvitehorden skjelve

"Vi falt som menn
Derfor døde vi ei hen
Veik er den som fiender elsker
Svik ei ditt opphav"

Traducción al inglés:

Strokes from oars could be heard, beautiful ships gushed through the sea
Like a wind from the north, our ancestors reached the shore
Men from Hordaland, Rogaland and Adger gathered for battle in common
Proud men with no fear
Strokes from the sword crushed the skull of the Christian

A long time we ruled, kings of the North
Many battles we won, at the shores of Midgard
But, betrayed by our own brothers, we were forced down on our knees
Now when the wind once again is howling, the thoughts finally go towards home
We shall rise in our glory
The white horde will for sure shiver

"We died like men
Therefore we never vanished
Weak is the one the enemy loves
Never betray your origin"

Duración: 16:10

De todos los grupos que surgieron en la explosión del black metal noruego a principios de los 90, Enslaved fueron los que siguieron más al pie de la letra las enseñanzas de Quorthon en Bathory. Tras darse cuenta de que tenían más inquietudes aparte del típico sonido black metal, decidieron apostar por añadir nuevas sonoridades. Con ciertos titubeos, tras su época más claramente black y antes de sus escarceos con el prog rock, lo alternativo y la psicodelia, Enslaved tuvo una época viking metal claramente influenciada por Bathory. Siendo justos, hay que decir que hicieron bien en seguir evolucionando. Eso sí, nos dejaron un par o tres de temas que recogen el testigo del mejor Bathory, de los cuales éste es el mejor.

"793" tiene la virtud de evocar el espíritu de Bathory sin limitarse a ser una mera copia de su estilo. Esas intros instrumentales de los grandes temas de Bathory tienen su correspondencia aquí. Esa sensación que te producen sus temás más famosos (como "One Rode to Asa Bay" o "Blood Fire Death") , tan típicamente Bathory, de marcha inapelable hacia un destino inevitable, también se encuentra aquí. "793" avanza inexorablemente, con decisión, sin grandes despliegues de energía, pero con la constancia de un batallón de hombres curtidos que no se detendrán ante nada.

La historia narrada en la letra no tiene mucho secreto. Trata de la invasión vikinga de la isla inglesa de Lindisfarne en 793, que supuso una gran conmoción para el mundo cristiano occidental y fue una de las primeras demostraciones de poder de los Vikingos a ojos del resto del continente. Vamos, lo típico de "brindemos por Odín", "nos cepillaremos a las hijas de los cristianos", "derramaré con gusto mi sangre para defender a mi gente". Aunque nadie dijo que el viking o el black metal debían ser originales para molar :D

The Kinks - Village Green

2009-08-19T16:05:00.006+01:00

The Kinks
The Village Green Preservation Society (1968)

Out in the country
Far from all the soot and noise of the city
There's a Village Green, oh

It's been a long time
Since I last set eyes on the church with the steeple
Down by the Village Green

Twas there I met a girl called Daisy
And kissed her by the old oak tree

Although I loved my Daisy, I saw fame
And so I left the Village Green

I miss the Village Green
And all the simple people
I miss the Village Green
The church, the clock, the steeple
I miss the morning dew, fresh air and Sunday school

And now all the houses are rare antiquities
American tourists flock to see the Village Green

They snap their photographs and say
"Gawd darn it, isnt it a pretty scene?"

And Daisy's married Tom, the grocer boy
And now he owns a grocery

I miss the Village Green
And all the simple people
I miss the Village Green
The church, the clock, the steeple
I miss the morning dew, fresh air and Sunday school

And I will return there, and I'll see Daisy
And we'll sip tea, laugh, and talk about the Village Green

We will laugh and talk about the Village Green

Duración: 2:12

Toca algo viejuno (bueno, ya lo sé, mis posts no es que sean de éxitos recientes...). "Village Green" tiene el honor de ser la primera (de varias, espero) canción de los Kinks que entra en este blog. La canción es de lo más melancólico que compusieron los Kinks en su época dorada (del 66 al 70) y tiene ese regusto a "cualquier tiempo pasado fue mejor" que encontramos en muchas de las letras de Ray Davies.

La cancioncilla de marras trata de un tipo que dejó su apacible vida en un pueblo, tranquilo y sin complicaciones, y que se marchó a la ciudad en busca de oportunidades. Así pues, el tipo rememora con nostalgia esa época, añorando su sencillez. Hay que señalar que, según la letra, aún está en la ciudad, lo que enfatiza el contraste vida en la ciudad/vida en el campo y ese aspecto nostálgico de la canción. De hecho, al final dice que "I will return there...", para echar unas risas con su primera novia, de buen rollito todo, aunque el cabrón la dejó por sus sueños de fama, tsk... Quizás se siente culpable, claro...

La canción dura poco más de dos minutos, pero tiene pequeños detalles que la engrandecen (todavía más), en particular esa referencia a los turistas americanos. Hay que recordar que los Kinks son recordados como el más británico de los grandes grupos ingleses de su época debido, en parte, a que no les dejaron hacer gira por Estados Unidos y les privaron de alcanzar la fama que sí tuvieron los Rolling Stones. Así, es normal que decidieran centrarse en hacer singles y discos para consumo de los de casa. Por tanto, esa referencia no pasa desapercibida, además de establecer un contraste entre las típicas expresiones del "mira qué bonito es esto" de un turista ocasional en una tienda de souvenirs, y la nostalgia sentida de alguien que vivió en ese lugar y que recuerda los edificios tal y como eran. Vamos, un recordatorio de que hasta la nostalgia se puede comercializar... how sad :(

Fun Boy Three - Our Lips Are Sealed

2009-08-19T15:05:00.005+01:00

Fun Boy Three
Waiting (1983)

Can you hear them? Talking about us
Telling lies, is that a surprise?
Can you see them? See right through them?
They have no shield, nothing must be revealed
It doesn't matter what they say, no one listens anyway
Our lips are sealed

There's a weapon that we can use in our defense, silence
Well just look at them, look right through them
That's when they disappear, that's when we lose the fear
It doesn't matter what they say, in the jealous games people play
Our lips are sealed

It doesn't matter what they say, no one's listening anyway
Our lips are sealed

Hush, my darling, don't you cry
Guardian angel, forget their lies

Can you hear them? Talking about us
Telling lies, well that's no surprise
Can you see them? See right through them?
They have no shield, nothing must be revealed
It doesn't matter what they say, in the jealous games people play
Our lips are sealed

Pay no mind to what they say, it doesn't matter anyway
Our lips are sealed
Our lips are sealed
Our lips are sealed

Duración: 3:36

videoclip
actuación en TV

"Our Lips Are Sealed" fue compuesta por Jane Wiedlin, guitarrista de las Go-Go's, y Terry Hall. Por aquel entonces el bueno de Terry se había escindido de los Specials junto a Neville Staple y Lynval Golding, para formar, poco después, Fun Boy Three. Las Go-Go's fueron las primeras en publicar su versión del tema. Y con un éxito del copón. Hasta tal punto que estuvo más de un año metida en las listas de éxitos en Estados Unidos, y la revista Rolling Stone la declaró "una de las cien mejores canciones pop de todos los tiempos". Casi nada.

Poco más de un año después, ya con Fun Boy Three en pleno funcionamiento, Terry decidió sacar su propia versión del tema que, oh sorpresa, es la más conocida en Gran Bretaña. Básicamente se trata de la misma canción, pero con notables diferencias. Si las Go-Go's suenan positivas, con cierta alegría desafiante, en plan "somos chicas fuertes y decididas pero con sensibilidad pop", Fun Boy Three sueltan una versión más oscura, más pesimista, pero sin desvirtuar el espíritu de la canción, ya que bajo ese fondo oscuro se esconde un temazo pop en toda regla. A eso le añadimos esos toques geniales como los rítmicos "bom bom-bom" vocales de Lynval y Neville o la interpretación de Terry, con su estilo de "canto como si no fuera conmigo la cosa pff". Además, se nota un cierto aire Talking Heads. Y no es de extrañar, ya que el productor era David Byrne en persona.

La versión elegida es la del LP. La del single es ligeramente más corta y no me gusta tanto. Obviamente, también recomiendo escuchar la versión de las Go-Go's. Así comparáis y decidís cuál os gusta más. Ambas son geniales, pero yo me quedo con ésta.

Shuggie Otis - Strawberry Letter 23

2009-08-19T13:47:00.005+01:00

Shuggie Otis
Freedom Flight (1971)

Hello my love, I heard a kiss from you
Red magic satin playing near, too
All through the morning rain I gaze, the sun doesn't shine
Rainbows and waterfalls run through my mind

In the garden, I see
West purple shower bells and tea
Orange birds and river cousins
Dressed in green

Pretty music I hear
So happy and loud
Blue flower echo
From a cherry cloud

Feel sunshine sparkle pink and blue
Playgrounds will laugh
If you try to ask
"Is it cool?"

If you arrive and don't see me
I'm going to be with my baby
I am free
Flying in her arms
Over the sea

Stained window yellow candy screen
See speakers of kite
With velvet roses diggin'
Freedom flight

A present from you
Strawberry letter 22
The music plays
I sit in for a few

Duración: 3:58

Ñoñada experimental. No, perdón. Eso suena feo. Ñoñada experimental cukita. Mucho mejor así. Esta es la versión original del tema que los Brothers Johnson llevarían a lo más alto de las listas de éxitos varios años más tarde. Obviamente no hace falta decir que la versión de Shuggie mola más, tsk.

Básicamente la canción es una especie de carta musical a su novia, como respuesta a las cartas que ésta le enviaba a él cuando estaba de gira, perfumadas de fresa. De ahí, la mención a una "strawberry letter 22". Se supone que ésa carta número 22 es la última que recibió de ella y que la 23 es ésta canción que él compone para ella. How fucking romantic. Así pues el amigo Shuggie se pasa la primera parte de la canción describiendo sus sensaciones de buen rollo, pero con estilo, para que compartas con él esa sensación de euforia pastoral que desprende la canción. Y luego, como el que no quiere la cosa, acaba con un coda instrumental extendido que ocupa la otra mitad del tema. Al estilo de lo que hicieron los Zombies en "Indication" (o más bien de la idea que Rod Argent tenía en mente), pero más molón y casi stereolabesco (si no fuera porque hablamos de una canción del 71).

Ilustrando la entrada tenéis el careto de Shuggie, como portada de su disco "Freedom Flight". El cabronazo apenas tenía 17/18 años cuando compuso "Strawberry Letter 23", así que recordad que estáis viendo el retrato de un genio (post) adolescente. Y pensar que abandonó el negocio de la música con apenas 22 añitos. Snif. Bueno, volviendo al tema, de todas formas, la mejor opción para conseguir este tema es con "Inspiration Information", la obra cumbre de Shuggie, publicada en 1974, y que contiene "Strawberry Letter 23" como bonus track.

Jilted John - Jilted John

2009-08-19T01:53:00.010+01:00

Jilted John
Going Steady 7" (1978)

I've been going out with a girl
Her name is Julie
But last night she said to me
When we were watching telly

This is what she said

She said, listen John, I love you
But there's this bloke I fancy
I don't want to two time you
So it's the end for you and me

Who's this bloke?, I asked her
Gordon, she replied
Not that puff, I said dismayed
Yes, but he's no puff, she cried

He's more of a man than you'll ever be

Here we go, two three four

I was so upset that I cried
All the way to the chip shop
When I came out there was Gordon
Standing at the bus stop

And guess who was with him?
Yeah, Julie
And they were both laughing at me

Oh, she is cruel and heartless
To pack me for Gordon
Just cause he's better looking than me
Just cause he's cool and trendy

But I know he's a moron
Gordon is a moron
Gordon is a moron
Gordon is a moron

Here we go, two three four

Oh she's a slag and he's a creep
She's a tart, he's very cheap
She is a slut, he thinks he's tough
She is a bitch, he is a puff
Yeah yeah, it's not fair
Yeah yeah, it's not fair

I'm so upset

I'm so upset, I'm so upset, yeah yeah

I ought to smash his face in
Yeah, but he's bigger than me, ain't he?
I know, I'll get my mate Barry to hit him, he'd flatten him
Yeah, but Barry's a mate of Gordon's, ain't he?
Oh well, I don't care

I don't care
I don't care

Cause she's a slag and he's a creep
She's a tart, he's very cheap
She is a slut, he thinks he's tough...

Duración: 3:00

Actuación de Jilted John en Top of the Pops (el sonido falla, pero bueno...)
Otra actuación en Top of the Pops

Este tema fue concebido por Graham Fellows, un joven aspirante a actor que se creó un alter ego, "Jilted John", y sacó un buen puñado de canciones describiendo su patética vida amorosa. Éste es, de largo, su tema más conocido, y con razón. Simple y pegadiza y encantadoramente patética, conjuga las mejores virtudes del rock ramoniano (si los Ramones fueran ingleses) con las inquietudes adolescentes de los Buzzcocks (exagerándolas, ya de paso).

A destacar varios puntos brillantes, como ese alargamiento del "Goooooordon" cuando ella le da el nombre del tipo que le gusta. O esos apartes, mitad comentario al oyente, mitad a sí mismo, y que alcanzan su máxima expresión al final, cuando podemos decir que la canción ha acabado. El pobre John piensa en cosas como darle un escarmiento al tal Gordon, pero enseguida se responde a sí mismo diciéndose que es más grande y fuerte que él, luego piensa en su amigo Barry para hacerlo, pero vuelve a responderse a sí mismo, esta vez que Barry también es amigo de Gordon. Así que al final asume la actitud correcta y suelta un "oh well, I don't care".

Este tema llegó al número 4 en las listas de éxitos de Gran Bretaña y fue un éxito, sobre todo, entre la muchachada inglesa de la época. Según parece, por esa época, si te llamabas Gordon, no tenías posibilidad alguna de librarte de la típica broma del "Gordon is a moron!". Lo mejor es que se dan casos de gente que vivió como niño/adolescente esa época y, varios años después, una vez casados y con hijos, les enseñan a sus retoños esta canción. Como un jodido rito generacional. ¿Hay algo más bonito que eso? :_D

La mejor opción para adquirir esta maravilla es con el "True Love Stories", el álbum que sacó Jilted John con el resto de sus aventuras amorosas/sociales. En la edición original en vinilo no salía la versión single de "Jilted John", sino una distinta y menos molona. Pero con la reedición en CD, eso ya no es problema, porque ahí la tendréis como bonus track. El disco en sí no llega a la altura del single. No suena tan guitarrero y puede que acabéis hartos de tanto teclado de mercadillo, pero está lleno de temas cukitos y encantadores (aunque no entren a la primera).

The Passions - I'm in Love With a German Film Star

2009-08-18T14:51:00.011+01:00

The Passions
I'm in Love With a German Film Star 7" (1981)

I'm in love with a German film star
I once saw in a bar
Sitting in a corner in imperfect clothes
Trying not to pose
For the cameras and the girls
It's a glamorous world

I'm in love with a German film star
I once saw in a movie
Playing the part of a real troublemaker
But I didn't care
It really moved me, it really moved me

I'm in love with a German film star
I once saw in a bar
Sitting in a corner in imperfect clothes
Trying not to pose
For the cameras and the girls
It's a glamorous world

I'm in love with a German film star
I once saw in a movie
Playing the part of a real troublemaker
But I didn't care
It really moved me, it really moved me
It really moved me, it really moved me

I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love
I'm in love

Duración: 4:01

Actuación de The Passions en Top of the Pops

The Passions fueron injustamente llamados "one hit wonders" debido a este tema en particular. Sus dos primeros discos suenan bastante bien, aunque no destacan del todo, y su "fama" (por llamarlo de algún modo) se debe a este temazo, tan molón que suena diez veces mejor que cualquier otra canción suya.

¿Cómo resumir en pocas palabras lo que hace especial a esta canción? Para empezar, escucharla y fijarse en el año de publicación. 1981. Varios años antes de la explosión definitiva del sonido 4AD. Varios años antes del "Reading..." de los Sundays. Bueno, siendo sinceros, no es que suenen exactamente a eso. Pero tienen ese regusto de "adelantados a su tiempo" innegable. Por más que me esfuerzo no consigo pensar en ningún single (de mayor o menor éxito) de la época que suene remotamente parecido.

He puesto la portada del single original para ilustrar esta entrada, en parte por creer que es mejor opción que poner la del álbum ("Thirty Thousand Feet Over China", que se publicó ese mismo año). El problema con el álbum es que, si no me equivoco, no tiene edición en CD y, además, tampoco merece tanto la pena (y no digo que sea malo, eh). Por supuesto hay alguna recopilación disponible, aunque la mejor opción es el box set de "Left of the Dial: Dispatches from the '80s Underground", que es donde descubrí este tema y algún otro en particular... pero vamos, son 4 discos de canciones cukitas :D

Hammers of Misfortune - Trot Out the Dead

2009-08-18T01:59:00.008+01:00

Hammers of Misfortune
The Locust Years (2006)

Fool, I am no hero
So leave my casket be
Furthermore, I'd never give
My life for such as thee

If the people wonder at the suffering you've caused
And your massive avarice has left them at a loss
If by chance they notice your bloody snapping jaws
The blood upon your claws
Your shifty eyes and laws
The nauseating flaws in all you've said
Trot out the dead
Trot out the dead

If by chance they give you the slightest bit of grief
Or perhaps they notice you're a liar and a thief
If they dare to question your lunatic beliefs
The wicked web you weave
The slimy trail you leave
Or maybe they perceive they've been misled
Trot out the dead
Trot out the dead

Trot out the dead, trot out the dead
Fire up the burning pole while you're ahead
Blot out the truth, trot out the lies
Myriad eyes
Silence the wise
Shackle the skies
Stifle the cries of the soon to be dead

If the people wonder why so many had to die
Or they test the wisdom in your prevailing lie
Or how you let it happen when you knew it all the time
And you just let them fly
It's in your evil eye
The way they were betrayed the day they died
Trot out the dead
Trot out the lies

Duración: 4:14

"Trot Out the Dead" no sólo es una de las mejores canciones de la década, sino que forma parte de uno de mis discos favoritos, uno de esos que nunca te cansas de escuchar. Así que ya sabéis, adquiridlo, bajadlo, compradlo, y disfrutadlo.

Lo que tenemos aquí es Old School Metal para las nuevas generaciones. A medio camino del hard rock/proto metal de los 70 y los Maiden de la época clásica de Dickinson, con un toque indie/underground. Suenan ligeramente progresivos, pero en su justa medida. De hecho, este tema es bastante conciso y directo. Y esa es una de las razones por las que mola tanto.

"Trot Out the Dead" no sólo es una diatriba anti-Bush (o anti-Cheney tsk, ya puestos...). Con eso sólo no basta. Hace falta un vocalista capaz de conferir emoción, como Mike Scalzi, que está sencillamente brillante. Muchos vocalistas deberían aprender de él, tsk. También hace falta calidad a la hora de componer. Y ahí John Cobbett no nos falla, con una sencillez insultante nos suelta un tema que suena a "clásico" nada más escucharlo por primera vez. ¿Qué más queda? Quizás escuchar el resto del disco...

Otro aspecto a destacar es lo cerca que está este tema de cruzar la frontera con el indie rock sin traspasarla del todo. No en vano los miembros de H.O.F. han tenido experiencias en la escena alternativa (ya sea rock o metal). Y no sé si seré yo, pero cuando Scalzi y Jamie (o Sigrid) cantan a dúo me recuerdan tanto a John Doe y Exene Cervenka en X...

Slint - Good Morning, Captain

2009-08-17T11:32:00.003+01:00

Slint
Spiderland (1991)

Let me in, the voice cried softly
From outside the wooden door
Scattered remnants of the ship could be seen in the distance
Blood stained the icy wall of the shore

I'm the only one left, the storm took them all
He managed as he tried to stand
The tears ran down his face
Please, it's cold

When he woke, there was no trace of the ship
Only the dawn was left behind by the storm
He felt the creaking of the stairs beneath him
That rose, from the sea, to the door

There was a sound at the window then
The captain started, his breath was still
Slowly, he turned

From behind the edge of the windowsill
There appeared the delicate hand of a child
His face was flush and timid
He stared at the captain through frightened eyes

The captain reached for something to hold on to
Help me, he whispered, as he rose slowly to his feet
The boy's face went pale
He recognized the sound

Silently, he pulled down the shade against the shadow
Lost in the doorstep of the empty house

I'm trying to find my way home

I'm sorry...
...and I miss you

I miss you
I've grown taller now
I want the police to be notified
I'll make it up to you
I swear, I'll make it up to you

I miss you

Duración: 7:39

En 1991, el año que lo indie y alternativo se atrevió a mezclarse con lo comercial y la MTV, otros grupos, como Unrest, My Bloody Valentine o Slint lanzaron discos que a día de hoy, si bien no con tanta repercusión mediática, se consideran como algunas de las piedras fundacionales de lo que se considera "indie".

Bien, como decíamos, ese año Slint, grupo al que todo el mundo atribuye la etiqueta de post-rock (un término demasiado manido últimamente), sacó "Spiderland", disco donde podemos encontrar la joya que nos ocupa. En la gran mayoría de reseñas que encontraréis por la red veréis como los tags más usados para definir a este grupo (aparte de indie o alternative rock, claro) son post-rock y math-rock.

Lo de post-rock es comprensible. Fue una etiqueta creada por un periodista cool que al no saber como definir la música de Bark Psychosis (más o menos contemporáneos ingleses de Slint, que lanzaron su obra cumbre, "Hex", en 1990), se sacó lo de "post-rock" de la manga. Así pues, se supone que todo grupo que siguiera la estela de Bark Psychosis tenía derecho a decir "nosotros hacermos post-rock".

El problema es que Slint apenas se parecen a Bark Psychosis (ni a Talk Talk... uno de los progenitores olvidados del post-rock actual). Comparten su gusto por las atmósferas, sí. Por las estructuras no convencionales, también. Pero Slint son algo aparte. Quizás el punto fuerte de temas como este "Good Morning, Captain" es que mezclan dos concepciones de la música totalmente opuestas. Por un lado tenemos la clara influencia del prog-rock setentero (en particular de la variante más oscura de grupos como King Crimson o Van der Graaf Generator). Por el otro tenemos el gusto por la agresividad típicamente indie, ese decir "joder, soy un adolescente confundido y alienado, pero mola". De hecho, a mí me gusta pensar que "Good Morning, Captain" es el hermano mayor de temas como "Sliver" de Nirvana.

¿Y qué más podemos encontrar en este temazo? Una atmósfera, musical y narrativa, absorbente. Un gran clímax final. Una historia llena de pequeños matices e interpretaciones convertida en canción. ¿Es eso poco?

Elvis Costello & the Attractions - Beyond Belief

2009-08-16T12:49:00.004+01:00

Elvis Costello & the Attractions
Imperial Bedroom (1982)

History repeats the old conceits
The glib replies the same defeats
Keep your finger on important issues
With crocodile tears and a pocketful of tissues

I'm just the oily slick
On the windup world of the nervous tick
In a very fashionable hovel

I hang around dying to be tortured
You'll never be alone in the bone orchard
This battle with the bottle is nothing so novel

So in this almost empty gin palace
Through a two-way looking glass
You see your Alice

You know she has no sense
For all your jealousy
In a sense she still smiles very sweetly

Charged with insults and flattery
Her body moves with malice
Do you have to be so cruel to be callous

And now you find you fit this identikit completely
You say you have no secrets
Then leave discreetly

I might make it California's fault
Be locked in Geneva's deepest vault
Just like the canals of Mars and the Great Barrier Reef
I come to you beyond belief

My hands were clammy and cunning
She's been suitably stunning
But I know there's not a hope in Hades
All the laddies cat call and wolf whistle
So-called gentlemen and ladies
Dog fight like rose and thistle

I've got a feeling
I'm gonna get a lot of grief
Once it seemed so appealing

Now I am beyond belief

Duración: 2:35

Mi admiración por Costello es de sobras conocida. Aparte de componer algunos de mis temas favoritos, su facilidad para escribir letras cojonudas es digna de elogio. Podía haber escogido otras canciones para empezar con el amigo Elvis, del que sin duda postearé (si todo va bien) unas cuantas reseñas en este blog, pero "Beyond Belief" me pareció la opción más acertada para empezar.

Veamos, es un tema compuesto con la habitual meticulosidad del Costello perfeccionista, ése que tras sus primeros discos se dijo a sí mismo "voy a convencer a estos críticos cabrones de que soy capaz de algo más". Así que, a partir de "Get Happy!!" y, posteriormente, con "Trust", vimos la evolución de E.C. hacia un sonido pop más introspectivo, más de estudio, con mucha atención al detalle (aúnque, en cierto modo, temas como "Accidents Will Happen" hacían pensar en ello ya en el 79).

Escuchando "Beyond Belief" nos damos inmediatamente cuenta de que es un tema muy de estudio, con una producción tan cuidada (pero que parece tan natural y fluída) que parece mentira que venga de un tipo que alcanzó la fama por su facilidad para hacer pop-rock directo y sencillo con ocasionales toques de punk, rockabilly, ska y otros géneros. Además, la canción no es nada convencional, mas bien sigue una progresión lógica, avanzando con seguridad hasta la explosión contenida de "I might make California's fault...", reposando un breve instante hasta la conclusión del estribillo final, que resume el espíritu del tema... y ahí se acaba todo(¿influencia de Wire quizás?). Otro aspecto a destacar es como esta canción parece el nexo de unión entre los experimentos electrónicos de Bowie, Eno o Kraftwerk y el synth-pop ochentero.

No podemos olvidar la letra, de la que no podemos decir que sea la mejor de Costello, pero que tiene su toque especial. Usando un tema tan manido como el enchochamiento por una tipa que acabas de conocer y sabes que te va dar muchos dolores de cabeza, Costello construye un tapiz de imágenes y alusiones, ayudado por esas frases brillantes típicas de él como "Charged with insults and flattery, her body moves with malice. Do you have to be so cruel to be callous?".

Wire - Marooned

2009-08-16T00:23:00.004+01:00

Wire
Marooned (1978)

An unwilling sailor adrift from Arctic waters
As the water gets warmer, my iceberg gets smaller
As he pours more petrol on, he feels no fear
As the flames get nearer, his thoughts get clearer

A blue-white polar bear arrives at the end
Diverting his attention, his feelings froze over
I'm only a runaway AWOL at the logical start
Not present in the present, overboard with limited future

And I'm standing alone still getting a thrill
While the ship is afloat, he's losing his boat

Duración: 2:21

Para empezar, nada mejor que mi canción favorita del mejor disco post-punk de la historia (bueno, en mi modesta opinión claro). "Marooned" está a medio camino de la senda que recorrerían artistas como Gary Numan y Tubeway Army o John Foxx (ese aire frío y aparentemente carente de emoción) y el post-punk oscuro más guitarrero de grupos como Magazine, con ese toque irónico/sarcástico.

Y es que "Marooned", a primera vista, parece un tema frío, incluso demasiado para poder suscitar emoción alguna. Pero luego nos damos cuenta de la letra, de la entonación de Colin Newman, de la ironía de sus "ah" de final de frase (especialmente al final de la canción). Además, el uso indiscriminado de la primera y tercera persona no es fortuito. La primera persona es el marinero explicando la situación en la que se encuentra en apenas unos breves retazos ("..., my iceberg gets smaller", "I'm only a runaway AWOL...", "... I'm standing alone, still getting a thrill"), mientras que la tercera persona (el narrador observando desde la distancia o incluso una disociación de la personalidad del marinero, observándose a sí mismo) hace de contrapunto, aportando más información y más detalles, todos ellos con un ligero toque irónico que se hace evidente al final (p.e. sus pensamientos se hacen más claros con el calor del fuego que está alimentando para no morir de frío, lo que le hace caer en la cuenta de que no está haciendo más que acelerar la destrucción de su iceberg... vamos, que el pobre está "overboard with limited future").

Al final de todo, nos encontramos con el marinero declarando que está "still getting a thrill", es decir, vivito y coleando, totalmente consciente de su situación, consciente de la presencia del oso, con todos los sentidos alerta, dispuesto a sobrevivir, mientras que la tercera persona (el narrador, aunque me gusta pensar que es la vocecita interna del marinero observándose desde la distancia y siendo terriblemente realista) asume los hechos como el que dice "tú di lo que quieras, pero estás acabado, pringao (ahah)"